Carmina Burana Volume 1 Chansons

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Carmina Burana Volume 1 Chansons Reviews and Opinions

4 internautes sur 4 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Spirited music, 4 janvier 2006
Par FrKurt Messick "FrKurt Messick" (Bloomington, IN USA) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Version Originale, Selection (CD)
-- Carmina Burana -- Carmina Burana is a large German manuscript from which Carl Orff drew his famous modern setting. The manuscript was discovered in a Benedictine monastery in the mid-19th century in Bavaria, and subsequently named Carmina Burana. It is very extensive, with lyrics from Occitania, France, England, Scotland, Catalonia, Castile, Germany and beyond. Many texts are in Latin. However, the majority of the texts do not include melodies (which is not uncommon for compositions of the time). These have to be recreated based on the structure of texts or other cues (such as pitch), or other markers alluding to well-known medieval melodies from other sources. The include of Gregorian chant, and other musical styles such as the music of Troubadours, Trouveres, and Minnesingers can be heard distinctly. In that tradition, many of these songs are far from sacred texts, but rather can be ribald and scathing at times in their wit toward the world in which they were composed. Yet there are also graceful love songs and other wonderful pieces here, too. -- This performance -- This performance features Hans Breitschopf (countertenor), Rene Clemencic (recorders, flute, cornet, shepherd’s flute, organ), Richard Erig (shawm, bombarde), Andràs Kecskès (lute, rubebe, psaltery), Pedro Liendo (baritone), Anne Osnowycz (buche), Frantisek Pik (cornet, courbe, mandolin), Spiros Rantos (vielles, rabab), Walter Schiefer (percussion), Zeger Vandersteene (countertenor, percussion), and Rene Zosso (hurdy-gurdy, chant). According to director Clemencic, this is not intended to be a definitive version of the Carmina Burana, but rather a faithful rendering of the text received. It is fun, lively, and full of spirit. Originally recorded for vinyl in 1974, the transfer to disc has been expertly achieved. -- Clemencic Consort -- Rene Clemencic is the founding director of one of the best early music groups, the Clemencic Consort. Clemencic, a native of Vienna, was born in 1928. He studied philosophy and musicology in both Vienna and Paris. During this time he also studied early instruments such as the recorder and harpsichord; in addition, he learned early music performance, music theory and composition. Clemencic and the Clemencic Consort have won numerous international awards, such as the Diapason d’Or, Edison, Grand Prix du Disque, and Prix Cecilia. One of the drawbacks of discs by the Clemencic Consort is that they rarely give any details about the performers, the group itself or the director. This is unfortunate, given the nature of the Consort, which can vary from as few as two to as many as fifty performers, depending upon the requirements of the music at hand.
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9 Symphonies

Prix : EUR 38,75

9 Symphonies Reviews and Opinions

14 internautes sur 14 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Maestro K., 14 mai 2007
Par Knoploch Michel "Michel de Fraisses" (france) - Voir tous mes commentaires(TOP 1000 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : 9 Symphonies (CD)
Gravee au milieu des annees 70 cette integrale est certainement la plus aboutie des quatre integrales gravees par le Maestro. La prise de son est spectaculaire, grisante, profonde avec des dynamiques comparables à un enregistrement numerique. Les tempis sont plus resseres que l’integrale de 1963. Karajan va à l’essentiel sans toutefois perturber les pupitres de la philharmonie de Berlin, et laisse ses musiciens s’epanouir au gre des symphonies. Un jalon essentiel dans la discographie beethovenienne. Prioritaire !
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6 internautes sur 7 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Bravo Maestro, 22 mars 2009
Par Jerôme Thiell "musicalement vôtre" (france) - Voir tous mes commentaires(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : 9 Symphonies (CD)
Concernant les enregistrements des 9 symphonies de Ludwig van Beethoven par Herbert von Karajan et le Berliner Philharmoniker,la revue Diapason ecrit que l’enregistrement des annees 1970 nous parait occuper exactement le milieu ideal entre le Karajan de jeunesse et le style tardif.
Pour moi qui possède les 3 enregistrements annees 1960/1970/1980,chacune de ces versions ont leur charme et une difference à l’oreille et je trouve même très interessant de suivre l’evolution et l’experience du chef d’orchestre en la personne d’Herbert von Karajan.
Pour la qualite du son les 3 enregistrements sont excellents (c’etait toujours le souhait de Karajan ) une petite preference pour le coffret des annees 1980 enregistrement en qualite DDD.
Comme moi faites cette experience en achetant les 3 coffrets annees 1960/1970/1980 et vous verrez que c’est très interessant de suivre l’evolution grandissante pour la musique d’Herbert von Karajan sur 30 annees qui separent ces enregistrements.Musicalement Vôtre.
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7 internautes sur 9 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
La plenitude..., 27 decembre 2005
Par penacP (France) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : 9 Symphonies (CD)
Herbert von Karajan a toujours ete fort inspire dans les symphonies de Ludwig van Beethoven. Il a toujours su traiter les symphonies comme des blocs d’une grande evidence, au sein desquels les details sont merveilleusement mis en valeur. Tout chante. Sous sa baguette, chaque mouvement est traite comme une entite et l’ensemble est remarquable !
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Complete String Quartets 2

Prix : EUR 100,83

Complete String Quartets 2 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Les Quatuors à cordes N° 4, N° 5 et N° 9 de Vissarion Chebaline, 28 fevrier 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Complete String Quartets 2 (CD)
Le Quatuor à codres N° 4 Op. 29 de Vissarion (Shebalin) Chebaline (1902-1963) fut ecrit en 1940 ; dedie à la memoire de Serguei Taneïev (1856-1915), il est en quatre mouvements. Le premier, bien equilibre, est de forme de sonate, avec des mesures ternaires rapides. Le second mouvement, Andante, de caractère expressionniste, commence en mi bemol majeur mais devient rapidement très chromatique. Le mouvement suivant est une marche virtuose jouee pizzicato en 6/8, suivie d’un trio aux harmonies etherees. Dans le Final, un bref Andante d’introduction est suivi d’une citation de Taneïev, un thème aux sauts de grands intervalles, Allegro au chiffrage alternant, developpe contrapuntiquement qui, dans un fortissimo à l’unisson, mène l’oeuvre à sa coda finale.
Le Quatuor à cordes n° 5 « Slave » Op. 33 a ete compose en 1942. De même que beaucoup d’autres artistes europeens, les musiciens sovietiques n’avaient à cette epoque pas besoin de directives ou d’exhortations du Parti pour ecrire des oeuvres à caractère « patriotique », l’emploi de thèmes slaves à un moment aussi fatidique de l’histoire de la Russie etant bien evidemment ici lui aussi tout à fait naturel. En cinq mouvements, le tout debut du Quatuor, Moderato, sonne immediatement typiquement russe, avec des lignes melodiques descendantes, en tonalite mineure. Le mouvement suivant, Andante, en mesures 3/4, est deliberement de la forme la plus simple qui soit, A-B-A. Le troisième mouvement est une sorte de scherzo en 2/4 rapide, avec un trio en 3/4, le tout suivi d’un autre mouvement lent, Andante, dont le thème rappelle la chanson serbe que Tchaïkovski utilisa comme thème principal de sa « Marche slave ». Le Final, egalement de forme A-B-A, debute par un Allegro energico, suivi d’une section plus lente, et enfin d’une repetition de cet Allegro.
Le Quatuor à cordes N° 9 Op. 58 a ete termine debut 1963. Dedie au Quatuor Borodine, il fut cree par celui-ci en avril de la même annee, très peu de temps avant la mort de Chebaline. Le Largo d’introduction est librement dodecaphonique, precède un Allegro ternaire, et ce premier mouvement se termine par un retour du materiel de l’introduction lente. Le second mouvement, egalement de forme A-B-A, est un Andante en 5/4 très diffus, suivi d’un Piu mosso lui aussi en 5/4, qui commence pizzicato et passe ensuite à arco, et qui precède la reprise du premier Andante. Le finale est un rondo libre et très virtuose, qui se termine dans un pianissimo extrême.
Krasni Quatet :
Anton Shelepov & Alexandra Zubova, violons ;
Boris Vaïner, alto ; Alekseï Shestiperov, violoncelle.
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Sviatoslav Richter - Complete DG Solo / Concerto Recordings

Prix : EUR 30,99

Sviatoslav Richter - Complete DG Solo / Concerto Recordings Reviews and Opinions

11 internautes sur 11 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
magnifique panorama de l’art de Richter, 10 novembre 2009
Par Stephane B. "Stephane B." (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 100 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Sviatoslav Richter : Pianist Of The Century (CD)
Sauf erreur de ma part, ce coffret regroupe l’integralite des enregistrements de Richter pour DG.
Il constitue donc un remarquable panorama de l’art de Richter et complète idealement le coffret paru chez EMI.
Le seul defaut de ce type de coffret et qu’il regroupe des interpretations souvent editees et reeditees isolèment. Le risque de doublons est donc grand. Cependant, si l’on considère son prix (moins de 30 ¤uros chez certains vendeurs alternatifs, soit 3 ¤ le CD) on peut aisement accepter cet inconvenient.
Car le contenu est eblouissant, il serait trop long de detailler toutes les oeuvres interpretees , citons quelques Schumann enfievres (extraordinaires fantaisies opus 12 et waldszenen opus 82) une 8è sonate de Prokofiev incandescente, la mieux enregistree de ses versions du 2ème concerto de Rachmaninov, quelques trop rares pièces de Debussy (quelques preludes, les estampes) qui nous font regretter que Richter ne l’ait pas davantage enregistre.
Tout est à thesauriser dans ce coffret, parfaitement representatif de l’art d’un des pianistes majeurs du XXè siècle.
Très fortement recommande.
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6 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
RICHTER : L’AME SLAVE, 27 novembre 2009
Par PVP "Markala" (Nice, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Sviatoslav Richter : Pianist Of The Century (CD)
L’un des plus grands pianistes du 20ème siècle, Sviatoslav Richter (1915-1997) a enregistre 9 albums pour D.G. entre 1956 et 1962. Les 9 disques (en soliste ou en concerto) maintenant disponibles ensemble et, pour la première fois, à un petit prix.
Richter, artiste brillant reste une personnalite enigmatique, son style de vie refusait toute mediatisation ; il domine la scène musicale classique pendant de nombreuses annees et maitrise un jeu terriblement "russe" dans presque tous les styles, de Bach aux oeuvres du 20e siècle. Son repertoire touche à l’ensemble de la litterature pour piano, mais il se montre particulièrement remarquable dans ses interpretations de Rachmaninov, de Prokofiev, de Ravel, de Chopin et de Beethoven et paradoxalement de Schubert, faisant ressortir chez ce dernier une profondeur insondable.
Magnifiquement presentes, les albums sont reproduits dans leur pochette d’origine avec la reproduction originale de chaque vinyl sur les CD.
Les bests :
Debussy:
Preludes - Book 1: No. 2, Voiles
Preludes - Book 1: No. 3, Le vent dans la plaine
Preludes - Book 1: No. 5, Les collines d’
Rachmaninov:
Piano Concerto No. 2 in C minor, Op. 18
Warsaw Philharmonic Orchestra, Witold Rowicki
Prelude Op. 32 No. 1 in C major
Prelude Op. 32 No. 2 in B flat minor
Prelude Op. 23 No. 2 in B flat major
Prelude Op. 23 No. 4 in D major
Prelude Op. 23 No. 5 in G minor
Prelude Op. 23 No. 7 in C minor
Prelude Op. 32 No. 12 in G sharp minor
Schubert:
Allegretto in C minor, D915
Ländler in A major
Tchaikovsky:
Piano Concerto No. 1 in B flat minor, Op. 23
Wiener Symphoniker, Herbert von Karajan
Dernier des grands artistes russes de son epoque à être autorise à se produire à l’etrangern un de ses defenseurs (immense pianiste egalement) Emil Gilels, qui après un triomphe aux États-Unis declara aux journalistes "Attendez seulement d’entendre Richter!". Il ne sera autorise à se produire à l’Ouest qu’en mai 1960 à Helsinkiet connaîtra ensuite la celebrite à l’Ouest après une tournee triomphale aux États-Unis fin 1960.
Ce coffret resume bien l’artiste, son jeu et son epoque.
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6 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Un Richter plus sage, 27 novembre 2009
Par DUNCANIDAHO "DUNCANIDAHO" (FRANCE) - Voir tous mes commentaires(TOP 50 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Sviatoslav Richter : Pianist Of The Century (CD)
Je tempererais quelque peu les propos de mon predecesseur, en suggerant que ce que Sviatoslav Richter a grave pour DG n’est pas ce qu’il a le mieux reussi. Ce bemol vaut egalement pour son grand rival russe Vladimir Horowitz et egalement pour Rudolf Serkin.
Peut être que le son très propre et moderne de DG ne convient pas tout à fait à ces trois grands maitres.
Ceci dit c’est Richter qui joue, cela veut dire que le niveau est toujours très très haut.
Cependant on peut preferer certaines gravures des concertos de Beethoven chez RCA (pour le premier) ou Praga (pour le troisième).
Par contre les Schumann enregistres à cette periode sont eblouissants concerto compris.
Une bonne entree en matière (et pas trop onereuse) dans l’univers de cet immense pianiste et musicien.
Au curieux d’aller ensuite fouiller pour trouver tel ou tel enregistrement du maitre, plus rare mais peut être plus fidèle au toucher à la fois puissant et tendre de Richter. Je pense notamment à tout ce qu’il a grave pour la marque soviètique Olympia ou chez Praga, enregistrements qui se font malheureusement de plus en plus rares.
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An Introduction to Galina Ustvolskaya

Prix : EUR 9,99

An Introduction to Galina Ustvolskaya Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une excellente introduction à l’oeuvre de Galina Oustvolskaïa, très bien interpretee, 13 mars 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Symphonie n°4 (CD)
Galina (Ustvolskaya) Oustvolskaïa est nee à Petrograd (Saint Petersburg) en 1919. De 1937 à 1947, elle etudia à l’universite rattachee au Conservatoire de Leningrad (Saint Petersburg), où elle fut elève de Dmitri Chostakovitch (1906-1975), qui a dit d’elle : « Je suis convaincu que la musique de Galina Ivanovna Oustvolskaïa atteindra une renommee mondiale, et sera appreciee par tous ceux pour qui la verite en musique est de première importance », et qui lui ecrivit par ailleurs : « Ce n’est pas toi qui es influencee par moi, au contraire, c’est moi qui le suis par toi ». Galina Oustvolskaïa developpa un style personnel très particulier, dont elle a dit : « Il n’y a absolument aucun lien entre ma musique et celle d’une autre compositeur, vivant ou mort ». Lors de la tournee que fit Igor Stravinsky (1882-1971) en URSS en 1962 à l’occasion de « Degel », s’etonnant que cette compositrice très croyante, opposee au regime sovietique et dont on venait de lui faire entendre une oeuvre, ne soit influencee, ni pas sa propre musique, ni par celle de la Seconde Ecole de Vienne à laquelle il venait de se convertir, il declara comprendre à cet instant « ce qu’etait le Rideau de Fer ». On ne sait pas si Galina Oustvolskaïa apprecia le compliment... Bien qu’elle fut professeur de composition au Conservatoire de Leningrad, jusqu’en 1968, très peu de ses oeuvres, à l’exception peut-être de sa Sonate pour violon et piano, semblent avoir ete jouees de manière regulière en Union Sovietique. Elle est morte à Saint-Petersbourg en 2006.
Datant de 1972, Composition II « Dies irae » est, ecrite pour huit contrebasses, percussions et piano. Elle est agencee en dix parties distinctes, entrecoupees par de longs silences. La puissance expressive des sonorites, scandees massivement par groupes, domine jusque dans les dernières mesures, avant que l’extrême conclusion ne propose un long pianissimo, troublant et inattendu.
Oeuvre-cle composee en 1986, faisant un large appel aux clusters, les dix mouvements de la Sonate pour piano N° 5 sont relies entre eux par un re bemol, autour duquel s’articule toute la construction lineaire de l’oeuvre.
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Baltic Elegy

Prix : EUR 66,95

Baltic Elegy Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Trois oeuvres majeures de trois grands compositeurs, très bien interpretees par le Quatuor Duke, 30 juillet 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Baltic Elegy (CD)
Arvo Pärt est ne le en 1935 à Paide, au sud de Tallinn (Estonie). Il entre en 1954 à l’École secondaire de musique de Tallinn, puis au conservatoire de Tallinn en 1957 où il etudie avec Heino Eller (1887-1970). Au debut des annees 1960, il s’initie à la composition serielle, dont relèvent ses deux premières symphonies. À la fin des annees 1960, Arvo Pärt renonce au serialisme, et même pendant un certain temps à la composition elle-même, temps qu’il consacre à l’etude du plain-chant gregorien et à celle de compositeurs medievaux français et flamands tels que Guillaume de Machaut (ne vers 1300-1377), Jean Ockeghem (ne vers 1420-1497), Josquin des Pres (ne vers 1450-1521) et Jacob Obrecht (1457 ou 1458-1505). Ces etudes et reflexions aboutiront à l’ecriture de sa troisième symphonie en 1971. Son evolution stylistique est notable en 1976 avec la composition d’une pièce pour piano devenue celèbre, « Für Alina », qui marque une rupture avec ses premières oeuvres et qui pose les jalons de son nouveau style, qualifie par lui-même de « style tintinnabulum ». L’annee suivante, Pärt ecrira dans ce nouveau style trois de ses pièces les plus importantes, « Tabula rasa » « Fratres », « Cantus in Memoriam Benjamin Britten ». En butte à une certaine forme de censure, en particulier de ses oeuvres religieuses, il quitte l’URSS en 1980 pour Vienne, où il obtient la nationalite autrichienne et, l’annee suivante, part pour Berlin ouest où il vit depuis. En 1996, il est devenu membre de l’American Academy of Arts and Letters. Createur d’une musique epuree, il est souvent classe dans la categorie des compositeurs « minimalistes mystiques », avec Henryk Górecki (ne en 1933) et John Tavener (ne en 1944). Parmi les oeuvres majeures qu’il a compose à ce jour, outre celles mentionnees ci-dessus et par ordre chronologique, on peut noter « Credo », la Cantate « Domino canticum novum », « Missa syllabica », « Spiegel im Spiegel », « De profundis », « Annum per annum », « Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem », « Te Deum », « Stabat Mater », « Festina lente », « Miserere », « Magnificat », « Berliner Messe », « Silouans Song », « Trisagion », « Litany », « I Am the True Vine », « Orient & Occident », « Cecilia, vergine romana », « Lamentate », « In principio », « Da pacem Domine », « La Sindone », « Für Lennart in memoriam », ou bien encore sa Symphonie N° 4.
Peteris Vasks est ne en 1946 à Aizpute, URSS (Lettonie). Vasks a etudie la contrebasse et a joue dans plusieurs orchestres lettons avant d’entrer au Conservatoire letton d’etat. Au debut, le style de Vasks etait lie à celui de Witold Lutoslawski, (1913-1994), de George Crumb (ne en 1929) et de Krzysztof Penderecki (ne en 1933). Les oeuvres posterieures incluent des elements de la musique folklorique lettone, comme le montre son concerto pour le cor anglais ecrit en 1989. Parmi les oeuvres majeures qu’il a compose à ce jour, on peut noter une Fantaisie « Izdegusas zemes ainavas » pour piano, « Le Livre » pour violoncelle, une Sonate pour contrebasse, « Letscape with Birds » pour flûte seule, « Viatore » et un « Te Deum » pour orgue, une Toccata pour deux pianos, une « Petite musique estivale » pour violon et piano, une « Partita » pour violoncelle et piano, « Trois pièces » pour clarinette et piano, « Episodi e Canto Perpetuo » pour Trio avec piano, cinq Quatuors à cordes et « Musica Adventus » pour quatuor à cordes, un Quatuor avec piano, deux Quintettes pour flûte, hautbois, clarinette, basson et cor, une « Sonate de printemps » pour deux violons, deux altos et deux violoncelles, le « Cantabile » et la « Musica dolorosa » pour cordes, « Meditation » pour violon et orchestre à cordes, le Concerto « Lumière distante » pour violon et orchestre à cordes, un Concerto pour violoncelle, le Concerto pour cor anglais dejà cite, un Concerto pour timbales et quatre percussionnistes, « Message » pour quatre percussionnistes, deux pianos et soixante cordes, « Composition » et « Voices » pour orchestre à cordes, trois Symphonies, une Messe pour chaeur mixte à cappella ou avec orgue, une Messe pour choeur mixte et orchestre à cordes, « Dona Nobis Pacem » pour choeur mixte et cordes, « Pater Noster » pour choeur mixte a cappella ou avec orchestre à cordes, ainsi que de nombreuses oeuvres pour choeur a cappella.
Erkki-Sven Tüür est ne en 1959 à Kärdla, sur l’île de Hiiumaa, URSS (Estonie). En partie autodidacte, il etudie neanmoins, de 1976 à 1980, les percussions et la flûte à la Tallinn Music School, etudie ensuite la composition à la Tallinn Academy of Music avec Jaan Rääts (ne en 1932) et prend des leçons privees avec Lepo Sumera (1950-2000). En 1979, il a fonde le groupe de rock « In Spe ». Parmi les oeuvres majeures qu’il a compose à ce jour, on peut noter une Sonate pour piano, « Dedication » pour violoncelle et piano, dedie au compositeur estonien Kuldar Sink (1910-1979), un Quatuor à cordes, « Architectonics ( I-VII) » pour differents ensembles, « The Path and the Traces » pour cordes, dediee à Arvo Pärt, « Crystallisatio » pour orchestre de chambre et instruments electroniques, un Concerto pour violon, un Concerto pour violoncelle, un Concerto pour marimba, « Exodus » pour orchestre, dedie au City of Birmingham Symphony Orchestra et à Paavo Järvi, « Aditus » pour orchestre, dedie à la memoire de Lepo Sumera, « Searching for Roots » (Hommage à Jean Sibelius), « Insula Deserta », « Lighthouse » et « Oxymoron » pour orchestre, six Symphonies, l’Opera « Wallenberg », la Cantate « Dona nobis pacem », l’Oratorio « Ante finem saeculi », la Messe « Lumen et cantus », ou bien encore un « Salve Regina » pour choeur masculin et ensemble.
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Bruckner Symphonie No.5

Prix :

Bruckner Symphonie No.5 Reviews and Opinions

1 internaute sur 2 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une version impressionnante, 25 mai 2010
Par Pèire Cotó (Occitània) - Voir tous mes commentaires(TOP 100 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Bruckner Symphonie No.5 (CD)
Le premier contact avec l’interpretation commence par un sentiment d’attente, de mystère et de puissance contenue, mais ensuite on peut être deçu par un tempo bien lent, comme une hesitation. Toutefois Abendroth commence lentement pour mieux accelerer ensuite et quand on a compris la demarche, quand aussi on a ecoute plusieurs fois, on cesse d’être perturbe par ce premier mouvement. La suite est de haut niveau.
Certes on ne retrouve tout à fait ni la grandeur de Pflüger ni l’approfondissement mystique de Jochum à Ottobeuren, en 1964. Cela ne vient pas de l’anciennete de la prise de son, bonne pour 1949, mais à l’epoque les techniques avançaient très vite et on entend une difference avec celle de Pflüger, enregistree trois petites annees après, en 1952. Ce n’est pas non plus une affaire d’edition : Hermann Abendroth utilise l’edition Haas de 1935, très peu differente de celle de Nowak, parue en 1951 et generalement employee depuis par les chefs (avant, il y avait le tripatouillage de Franz Schalk, qui permettait de gagner, si j’ose dire, dix minutes). Le Bruckner d’Abendroth semble exclure la metaphysique, le rapport avec le Dieu tout-puissant, ecrasant, même s’il nous rend sensible au mystère. Cela donne une 4e, une 9e allegees, detendues, orchestralement puissantes, mais bien moins terribles, bien moins noires, que celles de Furtwängler à la même epoque, par exemple. Ces lectures suscitent l’admiration et on les prefère à certains moments. Mais pour la 5e, la plus religieuse d’un compositeur religieux, Abendroth en donne moins que Jochum ou Pflüger, bien que formellement c’est peut-être la symphonie qu’il a le mieux reussie. Le quatrième mouvement devient virtuose, exaltant, paraissant d’ailleurs plus rapide qu’il n’est : quand on joue plutôt staccato, à la même vitesse, on donne l’impression d’aller plus vite. Le tempo est d’ailleurs souple, mais de manière un peu previsible, avec une acceleration dans les passages forte et agites, du moins certains, un ralentissement dans ceux piano. Le triomphe de la fin est particulièrement exaltant, mais il a moins le sens de victoire de la foi sur l’inquietude que chez Jochum (version de 1964) qui avait su economiser ses effets et contenir sa puissance avant.
Si on ne compare pas avec les deux "references" absolues dans la 5e, cette interpretation se revèle passionnante, superieure à la plupart de celles que j’ai entendues. On admirera le sens du rythme, les attaques nettes, le dynamisme, la tension durablement maintenue, une puissance comme musculaire (qui n’est d’ailleurs pas contredite par l’apparence physique du chef, robuste, aux larges et fortes mains), une vitalite impressionnante qui est communiquee à l’orchestre. Les pizzicato, les notes jouees staccato semblent exploser depuis leur centre, en gardant pourtant une nettete de contour marmoreenne. Le Scherzo est evidemment le mouvement pour lequel ce style convainc le plus. A mon avis, Abendroth fait mieux dans cette symphonie que Furtwängler en 1942 (je ne connais pas la version de 1951), violent et extraverti, mais aux intentions trop eloquentes, qui s’expriment par un rubato spectaculaire. Abendroth a le merite de ne pas avoir trop d’intentions, car cette symphonie ne recompense que ceux qui ont choisi de l’ecouter en eux, plutôt que d’imposer au texte un style, une grandeur exterieure et exteriorisee. Faut-il suggerer, non un classement, mais un ordre d’urgence dans les versions à connaître Je donne le mien, très provisoire : 1. Jochum-Ottobeuren, 2. Pflüger, 3. Abendroth, eventuellement ex aequo avec Jochum-EMI, ensuite dans le desordre Rögner, Andreae, Haitink-Concertgebouw, Jochum-DGG, Celibidache (EMI), puis un peu plus loin Konwitschny, Harnoncourt (qu’on apprecie plus ou moins selon les jours), Abbado, mais je n’ai pas tout entendu ou je ne m’en souviens pas assez, ce qui fait la limite de l’exercice.
Pour plus d’informations sur la discographie de Bruckner, taper Bruckner discography, vous trouverez le site de John F. Berky, qui tient à jour la liste des enregistrements, celle de leur apparition dans les differentes maisons de disques, l’edition utilisee. Coup de chapeau pour ce service rendu aux fervents de Bruckner du monde entier !
NB. Ce commentaire a ete profondement modifie en septembre 2011.
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Angelique

Prix : EUR 139,88

Angelique Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Une excellente Farce de Jacques Ibert, bien interpretee, 20 juillet 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Angelique (CD)
Jacques Ibert est ne à Paris en 1890. Il etudia au Conservatoire de Paris de 1910 à 1914 avec Emile Pessard (1843-1917), Andre Gedalge (1856-1926) et Paul Vidal (1863-1931), et, après la guerre, remporta le Prix de Rome en 1919. Il fut directeur de l’Academie de France à Rome (villa Medicis) de 1937 à 1940 et de 1946 à 1960. Sans quitter ses fonctions à Rome, il fut appele en 1955 à prendre la charge d’administrateur de la Reunion des theâtres lyriques nationaux. Toutefois, à cause de sa sante fragile, de la lourdeur de la tâche et des attaques dont il faisait l’objet, il se retira dès 1956. Il mourut à Paris en 1962.
Parmi ses oeuvres majeures, on peut noter « Escales », « Jeux » et « Paris » pour orchestre, un Concerto pour violoncelle et instruments à vent, un Concerto pour flûte, un Concertino da camera pour saxophone et onze instruments, une Symphonie concertante pour hautbois et orchestre, un Divertissement pour orchestre de chambre, un Capriccio pour dix instruments, un Quatuor à cordes, un Trio pour violon, violoncelle et harpe, deux Ballets, « Diane de Poitiers » et « Le Chevalier errant », sept Operas, dont L’Aiglon et « Les Petites Cardinal » en collaboration avec Arthur Honegger, et « Barbe-Bleue », des Melodies, dont les « Chansons de Don Quichotte » pour baryton, et plusieurs musiques de film.
NOTA : Les pratiques de certains requins qui ecument la surface de la Toile et speculent sur les objets d’art sont inqualifiables. Si vous parlez anglais ou allemand, achetez directement ces objets sur amazon.com, amazon.ca ou amazon.de, là où « ils » s’approvisionnent au jour le jour lorsqu’ils ont des commandes, souvent au dixième du prix qu’« ils » vous demandent ici. Du commerce
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Rubbra: Symphonies (Intégrale)

Prix : EUR 19,98

Rubbra: Symphonies (Intégrale) Reviews and Opinions

2 internautes sur 2 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
une curiosite qui peu vite devenir un essentiel, 3 mai 2011
Par MESNIER NATURE Nicolas "LE DISCOPHAGE" (Besançon, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 50 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Integrale Des Symphonies (1-11) (CD)
D’abord un peu de chronologie : symphonie 1 (1937), 2 (id. rev.1950), 3 (1938/39), 4 (1940/42), 5 (1947/48), 6 (1953/54), 7 (1956/57), 8 (1966/68), 9 (1972), 10 (1974) et 11 (1977/79). Les dates sont trompeuses : stylistiquement, Rubbra, comme nombre de ses compatriotes, garde une ecriture où les trois elements fondamentaux pour faire de la musique sont respectees : harmonie, melodie et rythme !
Les trois dernières ont une particularite qu’il est interessant de nommer ici : la 9è surnommee "sinfonia sacra" est avec soprano, contralto, baryton et choeur; la 10è est ecrite pour un petit effectif de chambre; la dernière est en un seul mouvement. Leurs durees oscillent entre 3/4 d’heure pour la 9è, et 15 minutes pour les deux dernières. En moyenne, on reste entre 25 et 35 minutes. Ces oeuvres de Rubbra ne seront pas quelques disques anglais de plus qui ressembleront à ceux que le melomane aura dejà sur ses etagères. Des grands symphonistes britanniques - Bax, Arnold, Alwyn, Vaughan-Williams pour ne citer qu’eux - il se distingue par une voie differente prise dès la numero 1 (composee à 36 ans donc dejà de grande maturite), et ce nettement jusqu’à la n°4 : l’obsession permanente d’un tout polyphonique où tout est melodie, comme chez Bach. Il s’en ecartera un peu par la suite mais conservera ce regard tourne vers les grands polyphonistes de la renaissance anglaise alors que ses confrères allaient volontiers chercher l’exotisme et la luxuriance, le descriptif et le narratif. Rubbra apparaît ainsi un peu à l’ecart des grandes modes musicales successives et complètement etranger à la musique contemporaine pure et dure, pour notre plus grande joie de la decouverte ! Il n’y a pas d’effets faciles ou gratuits chez Rubbra. Si tout est intellectualise, l’ennui ne montre pourtant jamais son nez ! Richard Hickox semble le seul à avoir enregistre en integral ce grand cycle symphonique. Il y est heureusement splendide, tout au service d’un repertoire qu’il defend avec une grande conviction. Prise de son elogieuse et livret en français très documente. Du beau travail.
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Naples au XVIII Siecle Quatre

Prix : EUR 30,45

Naples au XVIII Siecle Quatre Reviews and Opinions

4.0 etoiles sur 5
Concertos charmants, mais musicalement insubstantiels, pour mandoline = Charming but Musically Insignificant Concertos, 23 fevrier 2011
Par Gerald Parker "Gerald Parker" (Rouyn-Noranda, QC., Dominion of Canada) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Naples au XVIII Siecle Quatre (CD)
Lovers of classical music who take that art seriously enough that they have a low tolerance for passive listening, may bristle when their friends or colleagues ask them to find some "nice background music" for a cocktail party, reception, barbecue, or so forth. I, for one, never choose to listen to music, especially jazz or classical, without immersing myself into it with full attention. Nonetheless, there is some "classical music" that eludes such concentration -- works like these well-crafted and tuneful but rather pallid concerti of eighteenth century Neapolitan composers -- which are so insipid that the attention of even the most rigourous listener is surely bound to drift! Still, for that typical party or reception, there is this disc, to which you can resort without being guilty of abusing music that deserves more, surely, than these works do, to be merely the pleasant background to chatter, flirtatious giggles and sighs, clinking of glasses, rattling of porcelain and cutlery, and other such sounds.
For those potential listeners who evince some interest in this CD, and for the sake of players of the mandolin(e), a potentially delightful solo instrument, I would note for them that there is an alternate "mail order (and/or Internet) only" edition of these same recorded performances (Musical Heritage Society 5192296). Since the various national Amazon WWW sites do not list the works included either at all or with sufficient clarity, I summarise them here, in the order in which they occur on the CD, as concerti, all with string accompaniment, respectively in G Major by Domenico Caudioso; in G Major by Giuseppe Giuliano; in D Major (the so-called "Echo" Concerto) by Gian Francesco Eterardi; and in F Major by by Gaspare Gabbellone (a.k.a. Caballone).
The music-making, as always when Claudio Scimone conducts, is superb, and the mandolinists (Alessandro Pitrelli and Bonifaccio Bianchi, taking turns as soloist in these works) sound more than well equipped to the modest technical and musical demands of these works. Classical mandolinists do not have much of any truly stellar repertoire, even in works by genuinely significant composers, written specifically for their instrument, so these concerti suffice as well as most for the instrument, to represent it. The mandolin and the related alto-range "mandola" and the "mandocello" (the lattermost being a deeper and more sustainedly sonorous instrument than the other two, this instrument family’s equivalent of the violoncello), of course have -- like the banjo -- vast realms, and reams, of music and opportunity for virtuosic achievement in string band, bluegrass, gospel, folk (and "folk revival"), country-western, ragtime, jazz, and dance music (and, of course, all those Neapolitan serenades and that Italian pop!) that dwarf what a conscientious performer of the instrument’s middling classical repertory has at his disposal; a few works for classical mandolin surpass the level of the works on this CD, but, really, not very many so do, therefore, "what the heck", enjoy what is here, too, for its modest worth. It really is a shame that the mandolin’s classical repertory is so limited, in every way, compared to that of such plectral instrumental relatives as the lute or guitar, since this "darlin’ li’l plucker" has a silvery sound of such delectable piquancy.
The guests at your cocktail party -- or whatever -- may express, vaguely, more pleasure in this sonic fare than you feel much yourself, but you just possibly may join in with them in praising the contents of this CD with mildly expressed but genuine encomia when you listen to it for the real (albeit quite limited) charms that these concerti -- and certainly the excellent performers of them -- can convey, when you are in a relaxed and undemanding enough mood to enjoy them.
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Charpentier - Médée / Hunt Lieberson · Padmore · Deletré · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie

Prix : EUR 53,26

Marc Antoine Charpentier ne composa qu'un seul opéra, Médée, comme s'il laissait ce champ d'expression à d'autres (un certain monsieur Lully, par exemple). William Christie signe là une de ses plus belles réalisations discographiques. Il a travaillé pendant une dizaine d'années avant de rentrer en studio. La perfection stylistique est impressionnante, tout comme la tenue générale de l'exécution instrumentale et vocale. Là plus qu'ailleurs, on peut louer le talent passionné du chef américain pour notre patrimoine musical. --Pierre Graveleau
Marc Antoine Charpentier ne composa qu'un seul opéra, Médée, comme s'il laissait ce champ d'expression à d'autres (un certain monsieur Lully, par exemple). William Christie signe là une de ses plus belles réalisations discographiques. Il a travaillé pendant une dizaine d'années avant de rentrer en studio. La perfection stylistique est impressionnante, tout comme la tenue générale de l'exécution instrumentale et vocale. Là plus qu'ailleurs, on peut louer le talent passionné du chef américain pour notre patrimoine musical. --Pierre Graveleau

Charpentier - Médée / Hunt Lieberson · Padmore · Deletré · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie Reviews and Opinions

7 internautes sur 9 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Indispensable, 15 mars 2008
Par Acis (Suisse) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Charpentier - Medee / Hunt Lieberson · Padmore · Deletre · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie (CD)
Opera très meconnu mais un chef d’oeuvre absolu de son auteur et de l’opera baroque en general. Neanmoins, c’est une oeuvre difficile d’accès, qui demande à l’auditeur de s’investir pleinement dans l’ecoute. Charpentier et sa Medee vous apporteront des bonheurs inouis en retour!
De plus, il s’agit d’un des plus beaux enregistrements de Christie et Lorraine Hunt chante là le rôle de sa vie.
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Il Prigionero

Prix : EUR 32,99

Il Prigionero Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Deux chef-d’oeuvres de Luigi Dallapiccola, remarquablement interpretes, 25 mars 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Il Prigionero (CD)
Luigi Dallapiccola est ne en 1904 à Pisino (Italie, aujourd’hui Pazin en Croatie). Il etudia le piano au Conservatoire de Florence, et la composition au Conservatoire « Luigi Cherubini » avec Vito Frazzi (1888-1975). Il devint professeur à partir de 1931, et parmi ses elèves, on peut en particulier noter Halim El-Dabh (ne en 1921), Raymond Wilding-White (1922-2001), Luciano Berio (1925-2003), Noel Da Costa (1929-2002), Donald Martino (1931-2005), Arlene Zallman (1934-2006), Bernard Rands (ne en 1934), Ernesto Rubin de Cervin (ne en 1936), ou bien encore Abraham Zalman Walker (ne en 1948). Dallapiccola commença à s’opposer politiquement au fascisme à l’occasion de la campagne militaire d’Abyssinie, de l’engagement italien lors de la guerre civile espagnole, du rapprochement de Benito Mussolini avec Adolf Hitler et de la promulgation en 1938 des « lois raciales » (sa femme Laura Luzzatto etait d’origine juive) et, pendant la seconde guerre mondiale, il participa activement à la resistance au nazisme. Musicalement, il fut influence, à partir de 1930, par le dodecaphonisme de la Seconde Ecole de Vienne, en particulier par Anton Webern (1883-1945) et Alban Berg (1885-1935), qu’il traite cependant dans la tradition italienne du « bel canto », grâce à des techniques serielles qu’il developpa de façon à permette une plus grande expression du lyrisme. Profondement humaniste, Luigi Dallapiccola traita en particulier, dans ses Operas « Vol de nuit » (1938) d’après Antoine de Saint-Exupery, « Le Prisonnier » (1948) d’après Auguste de Villiers de L’Isle-Adam et « Ulysse » (1968) d’après Homère, ou dans sa Cantate « Chants des Prisons » (1941), du thème de l’Homme qui, au sein d’une societe essentiellement hostile, se cherche sans pouvoir aller au bout de sa quête. Il est mort à Florence en 1975.
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Tudor Collection

Prix : EUR 65,95

Tudor Collection Reviews and Opinions

5.0 etoiles sur 5
Splendour in music, 4 janvier 2006
Par FrKurt Messick "FrKurt Messick" (Bloomington, IN USA) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Tudor Collection (CD)
-Music-- This collection consists of four CDs, each having a key composer at the center: William Cornysh (d. 1523), John Taverner (d. 1545), Thomas Tallis (d. 1585), and William Byrd (d. 1623). For collectors of Tallis Scholars music, this will be repeat performances -- the music contained here come from prior releases, brought together as a set piece to show the relationship between these important composers. All of the composers worked for either royalty or other leading persons of the period; like much of the rest of Tudor sensibilities, there is an ornate, almost over-the-top quality to many of the compositions represented here. While much of the music is liturgical, there are a few pieces scattered about that are more folk-tune or secular in nature. The Tudor period was one of fascinating history, and music certainly kept pace. One can almost envision the rivalry of Wolsey and Henry VIII in the compositions of Taverner (who worked for Wolsey) and Cornysh (who worked for Henry VIII, and prior to that, Henry VII). The development of the music over time, from Cornysh to Taverner to Tallis to Byrd can be heard, which makes perfect sense given the historical development of the personalities involved (Byrd was a successor to Tallis, who was a successor to Cornysh, in the same position in the Chapels Royal). One of the difficulties of the increasingly florid, ornamented style of music is the lack of clarity of the language. Early polyphonic chant is fairly easy to understand; by the time of the Tudors, it is sometimes impossible to recognise the words being sung without the lyrics being provided in writing. The Reformation brought back a clarity and simplicity, which Tallis and Byrd adopted during the reign of Elizabeth to bring great effect to the combination of music and meaning. Byrd, of course, remained a Roman Catholic, and wrote his famous Masses at a time when they would not have been permitted to be performed in churches and official liturgical settings; as such, they possess a power of mystery and longing. They provide both an encapsulation and conclusion to the Tudor era of composition. All of these pieces are glorious polyphonic compositions of extraordinary power and grace. Taken as a set, they make a wonderful snapshot of Roman Catholic/proto-Anglican music during the Tudor period. All subsequent liturgical music in the English church can trace its origin to this time; either in development from or in reaction to the standards developed during this time, this is a pivotal age for such music. --The Tallis Scholars-- The Tallis Scholars are a group dedicated to the performance and preservation of the best of this type of music. A choral group of exceptional ability, I have been privileged to see them many times in public, and at almost every performance, their music is brilliant and the performance is delivered with near-flawless grace. Directed by Peter Phillips, the group consists of a small number of male and female singers who have trained themselves well to their task. This is a truly wonderful collection.
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Intégrale des quatuors ? cordes nos 1 ? 15 / Quintette pour piano & cordes op.57

Prix : EUR 110,00

Intégrale des quatuors ? cordes nos 1 ? 15 / Quintette pour piano & cordes op.57 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
L’integrale des Quatuors à cordes de Dmitri Chostakovitch, remarquablement interpretes par le Quatuor Borodine, 25 août 2011
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Integrale des quatuors à cordes nos 1 à 15 / Quintette pour piano & cordes op.57 (CD)
Les cent dernières annees ont vu la composition de plusieurs cycles de Quatuors à cordes de très grande qualite, depuis celui d’Arnold Schönberg (1874-1951) à celui de Nicola Bacri (ne en 1961), en passant par celui d’Ottorino Respighi (1879-1936), de Frank Bridge (1879-1941), de Bela Bartok (1881-1945), de Karl Weigl (1881-1949), de Nikolaï Miaskovsky (1881-1950), de Gian Francesco Malipiero (1882-1973), d’Egon Wellesz (1885-1974), d’Heitor Villa-Lobos (1887-1959), d’Ernst Toch (1887-1964), de Bohuslav Martinü (1890-1959), de Darius Milhaud (1892-1974), de Walter Piston (1894-1976), de Paul Hindemith (1895-1963), d’Howard Hanson (1896-1931), de Richard Flury (1896-1967), d’Alexandre Tansman (1897-1986), de Marcel Mihalovici (1898-1985), de Silvestre Revueltas (1899-1940), de Randall Thompson (1899-1984), d’Ernst Krenek (1900-1991), d’Edmund Rubbra (1901-1986), de Conrad Beck (1901-1986), de Vissarion Chebaline (1902-1963), de Giacinto Scelsi (1905-1988), de Michael Tippett (1905-1998), de Benjamin Frankel (1906-1973), d’Ahmed Adnan Saygun (1907-1991), d’Elliott Carter (ne en 1908), de Vagn Holmboe (1909-1996), de William Schuman (1910-1992), d’Alan Hovhaness (1911-2000), de Donald Gillis (1912-1978), de Daniel Jones (1912-1993), de Vincent Persichetti (1915-1987), de David Diamond (1915-2005), de Mordecai Seter (1916-1994), de Milton Babbitt (ne en 1916), d’Isang Yun (1917-1995), de Richard Arnell (ne en 1917), de George Rochberg (1918-2005), de Mieczysaw Weinberg (1919-1996), de Leon Kirchner (ne en 1919), de Robert Simpson (1921-1997), d’Iain Hamilton (1922-2000), de Ned Rorem (ne en 1923), de Boris Tchaikovsky (1925-1996), d’Hans Werner Henze (ne en 1926), d’Einojuhani Rautavaara (ne en 1928), de Donald Martino (1931-2005), de Sofia Gubaidulina (nee en 1931), d’Alfred Schnittke (1934-1998), de Peter Maxwell Davies (ne en 1934), de Philip Glass (ne en 1937), de Jonathan Harvey (ne en 1939), de Boris Tishchenko (ne en 1939), de Brian Ferneyhough (ne en 1943), de Peteris Vasks (ne en 1946), de Dmitry Smirnov (ne en 1948), d’Elena Firsova (nee en 1950), de Philippe Fenelon (ne en 1952), de Wolfgang Rihm (ne en 1952), de Françoise Choveaux (nee en 1953), ou bien encore de Pascal Dusapin (ne en 1955), sans compter de nombreux chef-d’oeuvres isoles. Toutefois, seul l’ensemble des quinze Quatuors de Dmitri Chostakovitch (1906-1975) peut rivaliser avec les monuments que nous ont laisse Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven et Franz Schubert.
C’est en 1938, peu de temps après les critiques, sevères et même menaçantes, dont il avait ete l’objet dans la presse, faisant suite à une representation de son Opera « Lady Macbeth de Mzensk » au Theâtre Bolchoï pendant laquelle Staline avait ostensiblement quitte la salle au second acte, que Dmitri Chostakovitch ecrivit son premier Quatuor à cordes. Pour le compositeur, le Quatuor devint le lieu de sa sphère privee, où il conservait une totale liberte d’expression, dût-il parfois l’exercer par le biais d’un langage crypte. A ce titre, les quinze Quatuors à cordes constituent une sorte de journal intime du compositeur, ecrit tout au long de sa vie, le media privilegie de ses interrogations spirituelles.
Cette integrale des Quatuors est completee par le Quintette pour piano et quatuor à cordes Op. 57, interprete par Sviatoslav Richter, piano et le Quatuor Borodine.
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Bach/Scarlatti/Mozart/Schubert: Piano Recital

Prix : EUR 10,99

Bach/Scarlatti/Mozart/Schubert: Piano Recital Reviews and Opinions

9 internautes sur 9 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Lipatti joue Bach, Mozart, etc., 7 août 2008
Par Denis Urval (Paris, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 10 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Partita 1 / Sonata in a Minor / Two Sonatas (CD)
Il y a des artistes dont la biographie finit par envahir tout, comme le mauvais lierre. Il y aurait pourtant bien autre chose à retenir de Lipatti que la leucemie qui l’’a emporte : par exemple, il existe au moins une photographie où on peut voir ses grandes et belles mains, celles avec lesquelles il jouait avec tant d’’energie et de vitalite. Et surtout, ce disque merite d’’être apprecie pour lui-même : à la centième ecoute, la 1ère partita de Bach enregistree à Genève (le 9 juillet 1950) frappe toujours par sa grâce, son energie rythmique, la lumière qui en emane, la joie qui s’’y exprime. On pense à Spinoza :
Plus une chose a de perfection, plus elle agit et moins elle pâtit, et inversement, plus elle agit, plus elle est parfaite.
Comme son Bach, son Scarlatti et la sonate K. 310 de Mozart, font partie de l’’essentiel de ce que Lipatti nous a laisse. Ces enregistrements indemodables ne sont nullement inferieurs, en ce qui concerne Bach et Mozart, aux versions captees en concert au festival de Besançon. Ils ne nous invitent pas à pleurer sur un destin, mais à nous rejouir qu’’un tel accomplissement musical ait ete possible.
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4 internautes sur 4 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Que de beaute !!!, 29 août 2009
Par franck Eulry S. Elea "Frank Eulry" (France) - Voir tous mes commentaires(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Partita 1 / Sonata in a Minor / Two Sonatas (CD)
Des oeuvres d’une beaute rare, jouees par un pianiste divin, le pianiste de reference. Le jeu fait totalement oublier la prise de son qui commence à dater... Indispensable!
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Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen

Prix : EUR 49,99

Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen Reviews and Opinions

4 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une "Septième" fascinante et secrète : la nouvelle reference discographique, 25 avril 2007
Par Melomaniac (France) - Voir tous mes commentaires(COMMENTATEUR N° 1)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen (CD)
La "Septième" fut composee pendant les deux etes 1904-1905 et creee sous la baguette de Mahler lui-même à Prague, Munich, La Haye, Amsterdam, où le public l’accueillit assez froidement.
Il faut dire que cette symphonie à sortilèges reste la plus esoterique, la plus mysterieuse du corpus, se deployant dans l’ambiance crepusculaire d’etranges "Nachtmusike", encadrant un scherzo central qui rappelle les fantasmagories de R. Schumann ou d’E.T.A. Hoffmann.
Le "rondo" conclusif est un curieux melange de solennite et de trivialite, de tragique et de grotesque, dont Mahler nourrissait son langage antinomique.
Enregistre en avril 1994, le present disque est extrait de l’integrale que constitua patiemment Riccardo Chailly entre 1986 et 2004 avec l’orchestre du Concertgebouw dont il etait alors le directeur musical et avec qui il a pu mener un travail de fond sur les partitions.
Cela nous vaut des phrases les plus penses, les plus mûris qu’on ait rarement entendus, osant parfois des coquetteries stylistiques (les glissandi de violons dans le "schattenhaft...) qui rappellent la baguette de Willem Mengelberg, son illustre devancier à ce pupitre.
Le maestro italien ne force jamais le trait, ne verse jamais dans la tonitruance (les fortissimos du finale s’intègrent au discours avec une remarquable logique structurelle) mais prefère exhaler le lyrisme secret de cet opus.
La palette penombragee de l’orchestre neerlandais reste selon moi la seule à pouvoir debusquer de telles nuances chromatiques, dont Chailly use avec un raffinement extrême.
A ce niveau, il n’y a guère de concurrence discographique : voilà la nouvelle reference, et sans doute pour longtemps.
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Centenary 3 / String Quartet 2

Prix : EUR 36,95

Centenary 3 / String Quartet 2 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
D’excellentes interpretations d’oeuvres de musique de chambre d’Honegger, 22 decembre 2008
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Centenary 3 / String Quartet 2 (CD)
Parisien d’adoption, Arthur Honegger est un compositeur suisse, ne au Havre en 1892 et mort à Paris en 1955. En 1911, deux ans après s’être inscrit au Conservatoire de Zurich, Honegger le quitte pour le Conservatoire de Paris, où il est elève de Charles-Marie Widor (1844-1937) et de Vincent d’Indy (1851-1931). Compositeur desireux d’illustrer la transformation, notamment par la technique et le sport, de la societe, Honegger ecrit pour le theâtre, la radio et le cinema aussi bien que pour la salle de concert. Il est l’un des membres du « Groupe des Six », avec Louis Durey (1888-1979), Germaine Tailleferre (1892-1983), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963) et Georges Auric (1899-1983). Outre les Six, il a frequente Paul Claudel, Jean Cocteau, Max Jacob, Pierre Louÿs, Pablo Picasso, Erik Satie et Paul Valery, dont certains lui fournirent des sujets pour ses oeuvres. Il a par ailleurs ete critique musical, soutenant notamment Olivier Messiaen (1908-1992), et professeur à l’École Normale de Musique de Paris.
Connu pour son humanisme, Arthur Honegger est un compositeur qui allie la tonalite à l’atonalite, en passant par la polytonalite. Marque par une double influence, germanique de Max Reger (1873-1916) et française de Claude Debussy (1862-1918), il n’est en revanche d’aucune ecole, ayant rejete des systèmes de composition qu’il jugeait trop stricts.
Ce troisième volume d’une serie editee à l’occasion du centenaire de sa naissance comprends plusieurs de ses oeuvres majeures de musique de chambre :
- Hommage à Ravel ; Miroslav Langer, piano ;
- Sonatine pour deux violons ; Vaclav Snitil, Bohuslav Purger, violons ;
- Sonate pour violoncelle et piano ; Stanislav Apolin, violoncelle ; Josef Hala, piano ;
- Sonate pour alto et piano ; Karel Spelina, alto ; Josef Hala, piano ;
- Quatuor à cordes N° 2 ; Quatuor Martinu ;
- Concerto da Camera ; Josef Jelinek, flûte ; Jiri Kaniak, cor anglais ; Orchestre de chambre de Prague, Frantisek Vajnar.
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Vénitienne

Prix :

Vénitienne Reviews and Opinions

3 internautes sur 3 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Majestueux, 30 novembre 2002
Par "louisaserex" - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Ce Cd est majestueux. Tous ceux qui aiment Rondo, apprecieront à leur tour cette musique italienne et originale. Aucun morceau "à jeter".
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2 internautes sur 2 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Peut-être leur meilleur album..., 12 juillet 2004
Par "scaramucce" - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Quand, en 1980, G.-P. Reverberi signa son premier album pour Rondo’ Veneziano il n’imaginait sans doute pas le succès que son projet rencontrerait... Concilier le baroque venitien et le son pop/rock etait une gageure, pas forcement evidente à reussir. Si le groupe est certes moins present en France aujourd’hui il n’en continue pas moins pour autant à enchanter le public sous d’autres cieux. "Venitienne" (version française de "Papagena") est à mon avis l’un des albums les plus aboutis de Reverberi ; laissez-vous surprendre...
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4 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Un retour merveilleux!, 22 fevrier 2003
Par Matteo (Roma, Italie) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Après beaucoup d’annees Rondo Veneziano retourne de nouveau à la France avec cet album merveilleux. Le groupe celèbre mondial cree en 1980 par Maestro Reverberi, avec plus de 20 millions de copies vendues de leurs 24 albums, nous donne beaucoup de perles dans leur modèle bien connu, un melange entre baroque et moderne. Il y a dans le monde entier un bruit que tout le monde appelle "modèle de Rondo Veneziano": c’est un nouveau genre de musique que G. P. Reverberi a cree avec ce groupe. Leurs meilleurs albums etaient "La Serenissima" (1981), "Odissea Veneziana" (1984), "Concerto" (1988), "Stagioni di Venezia" (1992). Cet album est pour le sûr du meilleur. Écoutent "Venitienne", "Desiree", "Puerta del Sol", "Alba sul mare" et "Viale Rossini" et vous conviendra le wtih je. C’est dommage dans cette version française vous ne trouviez pas la voie "Siciliana", une merveilleux suite pour l’armonica et des cordes, incluses dans la version allemande de cet album avec le titre de "Papagena" (Venitienne est la même voie avec un nom different). Ainsi, si vous aimez RV et avez un certain regrest parce que certains des derniers albums n’etaient pas aussi grands comme dans le passe, vous ne serez pas deçus par Venitienne. Rondo Veneziano a est revenu à son meilleur niveau. Et pour le panorama general de la musique instrumentale c’est une chance.
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Haydn Quartets

Prix : EUR 63,95

Haydn Quartets Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Fermete du discours, 3 août 2011
Par Pèire Cotó (Occitània) - Voir tous mes commentaires(TOP 100 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Haydn Quartets (CD)
Les quatuors dedies à Haydn tiennent dans deux CD, grâce à un tempo qui ne traîne pas et surtout à l’absence de reprise de l’exposition, trait d’epoque, que d’ailleurs les Amadeus prolongent une bonne dizaine d’annees après. Les enregistrements datent de mai 1953, à l’exception du quatuor en mi bemol majeur K. 428 qui est de mai 1950. Cela s’entend, bien sûr, mais si la technique est d’epoque, les ingenieurs du son ont fait un excellent travail, meilleur que celui habituel de CBS dans les annees 60 : les musiciens sont enregistres à la bonne distance et de plus la mise en CD s’est faite sans trop monter le son, avec les duretes que ce procede entraîne habituellement.
Le caractère de ces interpretations est la fermete du discours et la discipline : le phrase d’un instrument est poursuivi par celui qui lui repond, sans donner l’impression, comme avec les Amadeus, que chacun tient son propre discours. Cette unite ne signifie pas qu’il y a un type d’interpretation ou d’enregistrement "symphonique", avec l’accent mis sur les unissons et la difficulte à identifier chaque partie : tout au contraire, il s’agit bien de musique de chambre, parfaitement equilibree. Les Budapest ont de plus la maîtrise de la ligne, de l’intensite (diminuendos splendidement realises) et de l’intonation; le declin n’interviendra que quelques annees plus tard. La maîtrise du rythme, de l’intensite et la stabilite caracterisent ce jeu, ce qui ne veut pas dire rigidite et n’exclut pas le rubato; simplement celui-ci est discret et bien integre.
Cette interpretation très sobre et assez reservee du point de vue des affects triomphe dans le quatuor en sol majeur K. 387, pour lequel la stabilite du tempo est essentielle, ainsi que pour celui en mi bemol majeur K. 428, dont il ne faut pas doubler le caractère liquide et fuyant par un tempo inconsistant; elle est sans inconvenients dans les autres quatuors, dont aucun n’est rate. Il est certain aussi que d’autres ensembles font percevoir plus immediatement la gaiete de la majorite de K. 458 (cf. les Amadeus) ou la profonde tristesse de celle de K. 421; ces sentiments ne sont pas absents quand on les ecoute, mais proviennent de la progressive prise en compte dans l’esprit de l’auditeur des structures musicales que les Budapest font superieurement percevoir. Mais l’interiorite de l’Adagio de K. 458 est particulièrement emouvante avec eux. Le trio du menuet de K. 421 est un peu moins radieux que chez les Italiano, ce à quoi la prise de son peut contribuer; de même, la fin de l’Andante de K. 464, avec le motif tambourinant qui l’obsède, prend un caractère encore plus magique chez les mêmes. Mais on ne trouvera jamais chez les Budapest le leger excès de sentimentalite ou de lenteur qu’on peut reprocher aux merveilleux musiciens transalpins.
Malgre la technique d’epoque, les Budapest continuent pour moi de garder la première place, ou une des premières si l’on tient compte des changements interpretatifs qui ont ete entraînes par la prise en compte de la musicologie, dans la discographie de cette serie de quatuors de Mozart; c’est le plus parfait equilibre classique, sans les defauts ou les excès qu’on peut constater chez la plupart de leurs successeurs. Je ne me suis d’ailleurs refere qu’à deux d’entre eux, parce que c’est avec eux que j’ai effectue des comparaisons pour cette recension, en plus des Kocian pour K. 387, mais je pense aussi à plusieurs autres.
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Dvorák: The String Quartets

Prix : EUR 34,99

Dvorák: The String Quartets Reviews and Opinions

32 internautes sur 32 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Cyprès, 12 avril 2004
Par Bruno Parfait "bruno parfait" - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Dvorak : Les quatuors à cordes (CD)
Il y aura bientôt trente ans que le quatuor de Prague enregistrait la première veritable integrale des quatuors de Dvorak, avec en prime les Cyprès, melodies de jeunesse renversantes de fraîcheur et de spontaneite bohemiennes, reorchestrees pour les quatre instruments, qui traduisent à merveille les tendres et melancoliques reminiscences du compositeur.Si les versions du corpus pour quatuor du grand Tchèque sont maitenant legion, on reste pantois de bonheur à l’audition du Quatuor de Prague, dont l’enregistrement n’a pas pris une ride, si ce n’est celles , volontaires, qu’y a inscrite le compositeur lui même à l’approche d’une vieillesse que n’epargnèrent point les epreuves.Les recents enregistrements des Prazak sont parmi les seuls à pouvoir se confronter à cette somme, plus tranchants peut être,en même temps plus immediatements "boises", eux aussi terriblement tchèques, avec ce leger surcroit de souci du detail sonore qui signe parfois presque negativement l’approche de certains quatuors modernes finissant par trop obliterer le flux rhapsodique de cette musique.Les Janacek, en leur temps, les Vlach ,les Talich, pour en rester aux formations tchèques, ne demeritent pas mais se cantonnent le plus souvent aux derniers quatuors( 12, 13, 14),comme on se cantonne encore trop souvent aujourd’hui aux trois dernières symphonies. Les Stamitz, seuls veritables concurrents pour une integrale, sont trop loin du compte: ils ne trouvent pas l’equilibre miraculeux du Quatuor de Prague dans les quatuors de jeunesse, gorges d’une sève melodique que Dvorak saura un peu plus tard encore mieux maîtriser.Conscient de ce trop plein, ils edulcorent par souci analytique une musique qui s’adresse en tout premier lieu au coeur de celui qui l’ecoute...A ce "petit jeu", le Quatuor de Prague demeure à jamais irremplaçable.
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Messe ? trois voix

Prix :

Disparu en 1925, le compositeur et chef d'orchestre André Caplet laissa derrière lui de superbes orchestrations qu'il réalisa notamment pour des oeuvres de Debussy. En tant que compositeur, il s'adressa surtout à la voix et écrivit également de la musique de chambre, utilisant avec bonheur une harmonie épurée et dense qui employait parfois des motifs du chant grégorien. L'élégance et la clarté des accompagnements servent parfaitement les deux voix féminines qui recréent un univers secret et poétique, dans la digne tradition de l'école française de la fin du XIXe siècle. --Pierre Graveleau
Disparu en 1925, le compositeur et chef d'orchestre André Caplet laissa derrière lui de superbes orchestrations qu'il réalisa notamment pour des oeuvres de Debussy. En tant que compositeur, il s'adressa surtout à la voix et écrivit également de la musique de chambre, utilisant avec bonheur une harmonie épurée et dense qui employait parfois des motifs du chant grégorien. L'élégance et la clarté des accompagnements servent parfaitement les deux voix féminines qui recréent un univers secret et poétique, dans la digne tradition de l'école française de la fin du XIXe siècle. --Pierre Graveleau

Messe ? trois voix Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
En particulier pour la "Messe à trois voix", mais aussi pour les "Cinq Ballades" d’Andre Caplet, très bien interpretees, 31 mars 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Messe à trois voix (CD)
Andre Caplet est ne en 1878 au Havre. Il entra au Conservatoire de Paris en 1896, et obtint en 1901 un Grand Prix de Rome pour sa Cantate "Myrrha" (Prix de Rome Cantatas : Caplet, Debussy, Ravel ; Marco Polo, 2006 - ASIN : B000004649). Il rencontra Claude Debussy en 1907, qui l’influença un temps, mais dont il se detachera par la suite ; il orchestrera neanmoins tardivement "Le jet d’eau", " Pagodes" ou "Clair de lune". Il quitta Rome et la Villa Medicis pour gagner l’Allemagne où il apprit la direction d’orchestre, et il creera en particulier le "Martyre de Saint-Sebastien" de Debussy en 1911. Ses oeuvres instrumentales ont mis en musique "Salammbô" de Flaubert (1902), et en 1908 le "Conte fantastique" d’après le "Masque de la mort rouge" d’Edgar Allan Poe (Laurence Cabel, Harpe ; Ensemble Musique Oblique ; Musique D’abord, 2006 - ASIN : B000E3J3QA). Vers la fin de sa vie, il composa essentiellement des oeuvres vocales et religieuses, telles que la "Messe des petits de Saint-Eustache-la-Forêt" (1919), "Pie Jesu" (1919), en 1920 la "Messe à trois voix" enregistree ici, ou en 1924 "Le Miroir de Jesus" (Naxos, 2004 - ASIN : B000027LCC). Caplet fut sevèrement gaze pendant la première guerre mondiale, et il succombera en 1925 des suites de cette intoxication.
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