Angelique

Prix : EUR 139,88

Angelique Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Une excellente Farce de Jacques Ibert, bien interpretee, 20 juillet 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Angelique (CD)
Jacques Ibert est ne à Paris en 1890. Il etudia au Conservatoire de Paris de 1910 à 1914 avec Emile Pessard (1843-1917), Andre Gedalge (1856-1926) et Paul Vidal (1863-1931), et, après la guerre, remporta le Prix de Rome en 1919. Il fut directeur de l’Academie de France à Rome (villa Medicis) de 1937 à 1940 et de 1946 à 1960. Sans quitter ses fonctions à Rome, il fut appele en 1955 à prendre la charge d’administrateur de la Reunion des theâtres lyriques nationaux. Toutefois, à cause de sa sante fragile, de la lourdeur de la tâche et des attaques dont il faisait l’objet, il se retira dès 1956. Il mourut à Paris en 1962.
Parmi ses oeuvres majeures, on peut noter « Escales », « Jeux » et « Paris » pour orchestre, un Concerto pour violoncelle et instruments à vent, un Concerto pour flûte, un Concertino da camera pour saxophone et onze instruments, une Symphonie concertante pour hautbois et orchestre, un Divertissement pour orchestre de chambre, un Capriccio pour dix instruments, un Quatuor à cordes, un Trio pour violon, violoncelle et harpe, deux Ballets, « Diane de Poitiers » et « Le Chevalier errant », sept Operas, dont L’Aiglon et « Les Petites Cardinal » en collaboration avec Arthur Honegger, et « Barbe-Bleue », des Melodies, dont les « Chansons de Don Quichotte » pour baryton, et plusieurs musiques de film.
NOTA : Les pratiques de certains requins qui ecument la surface de la Toile et speculent sur les objets d’art sont inqualifiables. Si vous parlez anglais ou allemand, achetez directement ces objets sur amazon.com, amazon.ca ou amazon.de, là où « ils » s’approvisionnent au jour le jour lorsqu’ils ont des commandes, souvent au dixième du prix qu’« ils » vous demandent ici. Du commerce
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Rubbra: Symphonies (Intégrale)

Prix : EUR 19,98

Rubbra: Symphonies (Intégrale) Reviews and Opinions

2 internautes sur 2 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
une curiosite qui peu vite devenir un essentiel, 3 mai 2011
Par MESNIER NATURE Nicolas "LE DISCOPHAGE" (Besançon, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 50 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Integrale Des Symphonies (1-11) (CD)
D’abord un peu de chronologie : symphonie 1 (1937), 2 (id. rev.1950), 3 (1938/39), 4 (1940/42), 5 (1947/48), 6 (1953/54), 7 (1956/57), 8 (1966/68), 9 (1972), 10 (1974) et 11 (1977/79). Les dates sont trompeuses : stylistiquement, Rubbra, comme nombre de ses compatriotes, garde une ecriture où les trois elements fondamentaux pour faire de la musique sont respectees : harmonie, melodie et rythme !
Les trois dernières ont une particularite qu’il est interessant de nommer ici : la 9è surnommee "sinfonia sacra" est avec soprano, contralto, baryton et choeur; la 10è est ecrite pour un petit effectif de chambre; la dernière est en un seul mouvement. Leurs durees oscillent entre 3/4 d’heure pour la 9è, et 15 minutes pour les deux dernières. En moyenne, on reste entre 25 et 35 minutes. Ces oeuvres de Rubbra ne seront pas quelques disques anglais de plus qui ressembleront à ceux que le melomane aura dejà sur ses etagères. Des grands symphonistes britanniques - Bax, Arnold, Alwyn, Vaughan-Williams pour ne citer qu’eux - il se distingue par une voie differente prise dès la numero 1 (composee à 36 ans donc dejà de grande maturite), et ce nettement jusqu’à la n°4 : l’obsession permanente d’un tout polyphonique où tout est melodie, comme chez Bach. Il s’en ecartera un peu par la suite mais conservera ce regard tourne vers les grands polyphonistes de la renaissance anglaise alors que ses confrères allaient volontiers chercher l’exotisme et la luxuriance, le descriptif et le narratif. Rubbra apparaît ainsi un peu à l’ecart des grandes modes musicales successives et complètement etranger à la musique contemporaine pure et dure, pour notre plus grande joie de la decouverte ! Il n’y a pas d’effets faciles ou gratuits chez Rubbra. Si tout est intellectualise, l’ennui ne montre pourtant jamais son nez ! Richard Hickox semble le seul à avoir enregistre en integral ce grand cycle symphonique. Il y est heureusement splendide, tout au service d’un repertoire qu’il defend avec une grande conviction. Prise de son elogieuse et livret en français très documente. Du beau travail.
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Naples au XVIII Siecle Quatre

Prix : EUR 30,45

Naples au XVIII Siecle Quatre Reviews and Opinions

4.0 etoiles sur 5
Concertos charmants, mais musicalement insubstantiels, pour mandoline = Charming but Musically Insignificant Concertos, 23 fevrier 2011
Par Gerald Parker "Gerald Parker" (Rouyn-Noranda, QC., Dominion of Canada) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Naples au XVIII Siecle Quatre (CD)
Lovers of classical music who take that art seriously enough that they have a low tolerance for passive listening, may bristle when their friends or colleagues ask them to find some "nice background music" for a cocktail party, reception, barbecue, or so forth. I, for one, never choose to listen to music, especially jazz or classical, without immersing myself into it with full attention. Nonetheless, there is some "classical music" that eludes such concentration -- works like these well-crafted and tuneful but rather pallid concerti of eighteenth century Neapolitan composers -- which are so insipid that the attention of even the most rigourous listener is surely bound to drift! Still, for that typical party or reception, there is this disc, to which you can resort without being guilty of abusing music that deserves more, surely, than these works do, to be merely the pleasant background to chatter, flirtatious giggles and sighs, clinking of glasses, rattling of porcelain and cutlery, and other such sounds.
For those potential listeners who evince some interest in this CD, and for the sake of players of the mandolin(e), a potentially delightful solo instrument, I would note for them that there is an alternate "mail order (and/or Internet) only" edition of these same recorded performances (Musical Heritage Society 5192296). Since the various national Amazon WWW sites do not list the works included either at all or with sufficient clarity, I summarise them here, in the order in which they occur on the CD, as concerti, all with string accompaniment, respectively in G Major by Domenico Caudioso; in G Major by Giuseppe Giuliano; in D Major (the so-called "Echo" Concerto) by Gian Francesco Eterardi; and in F Major by by Gaspare Gabbellone (a.k.a. Caballone).
The music-making, as always when Claudio Scimone conducts, is superb, and the mandolinists (Alessandro Pitrelli and Bonifaccio Bianchi, taking turns as soloist in these works) sound more than well equipped to the modest technical and musical demands of these works. Classical mandolinists do not have much of any truly stellar repertoire, even in works by genuinely significant composers, written specifically for their instrument, so these concerti suffice as well as most for the instrument, to represent it. The mandolin and the related alto-range "mandola" and the "mandocello" (the lattermost being a deeper and more sustainedly sonorous instrument than the other two, this instrument family’s equivalent of the violoncello), of course have -- like the banjo -- vast realms, and reams, of music and opportunity for virtuosic achievement in string band, bluegrass, gospel, folk (and "folk revival"), country-western, ragtime, jazz, and dance music (and, of course, all those Neapolitan serenades and that Italian pop!) that dwarf what a conscientious performer of the instrument’s middling classical repertory has at his disposal; a few works for classical mandolin surpass the level of the works on this CD, but, really, not very many so do, therefore, "what the heck", enjoy what is here, too, for its modest worth. It really is a shame that the mandolin’s classical repertory is so limited, in every way, compared to that of such plectral instrumental relatives as the lute or guitar, since this "darlin’ li’l plucker" has a silvery sound of such delectable piquancy.
The guests at your cocktail party -- or whatever -- may express, vaguely, more pleasure in this sonic fare than you feel much yourself, but you just possibly may join in with them in praising the contents of this CD with mildly expressed but genuine encomia when you listen to it for the real (albeit quite limited) charms that these concerti -- and certainly the excellent performers of them -- can convey, when you are in a relaxed and undemanding enough mood to enjoy them.
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Charpentier - Médée / Hunt Lieberson · Padmore · Deletré · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie

Prix : EUR 53,26

Marc Antoine Charpentier ne composa qu'un seul opéra, Médée, comme s'il laissait ce champ d'expression à d'autres (un certain monsieur Lully, par exemple). William Christie signe là une de ses plus belles réalisations discographiques. Il a travaillé pendant une dizaine d'années avant de rentrer en studio. La perfection stylistique est impressionnante, tout comme la tenue générale de l'exécution instrumentale et vocale. Là plus qu'ailleurs, on peut louer le talent passionné du chef américain pour notre patrimoine musical. --Pierre Graveleau
Marc Antoine Charpentier ne composa qu'un seul opéra, Médée, comme s'il laissait ce champ d'expression à d'autres (un certain monsieur Lully, par exemple). William Christie signe là une de ses plus belles réalisations discographiques. Il a travaillé pendant une dizaine d'années avant de rentrer en studio. La perfection stylistique est impressionnante, tout comme la tenue générale de l'exécution instrumentale et vocale. Là plus qu'ailleurs, on peut louer le talent passionné du chef américain pour notre patrimoine musical. --Pierre Graveleau

Charpentier - Médée / Hunt Lieberson · Padmore · Deletré · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie Reviews and Opinions

7 internautes sur 9 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Indispensable, 15 mars 2008
Par Acis (Suisse) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Charpentier - Medee / Hunt Lieberson · Padmore · Deletre · Zanetti · Salzmann · Les Arts Florissants · Christie (CD)
Opera très meconnu mais un chef d’oeuvre absolu de son auteur et de l’opera baroque en general. Neanmoins, c’est une oeuvre difficile d’accès, qui demande à l’auditeur de s’investir pleinement dans l’ecoute. Charpentier et sa Medee vous apporteront des bonheurs inouis en retour!
De plus, il s’agit d’un des plus beaux enregistrements de Christie et Lorraine Hunt chante là le rôle de sa vie.
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Il Prigionero

Prix : EUR 32,99

Il Prigionero Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Deux chef-d’oeuvres de Luigi Dallapiccola, remarquablement interpretes, 25 mars 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Il Prigionero (CD)
Luigi Dallapiccola est ne en 1904 à Pisino (Italie, aujourd’hui Pazin en Croatie). Il etudia le piano au Conservatoire de Florence, et la composition au Conservatoire « Luigi Cherubini » avec Vito Frazzi (1888-1975). Il devint professeur à partir de 1931, et parmi ses elèves, on peut en particulier noter Halim El-Dabh (ne en 1921), Raymond Wilding-White (1922-2001), Luciano Berio (1925-2003), Noel Da Costa (1929-2002), Donald Martino (1931-2005), Arlene Zallman (1934-2006), Bernard Rands (ne en 1934), Ernesto Rubin de Cervin (ne en 1936), ou bien encore Abraham Zalman Walker (ne en 1948). Dallapiccola commença à s’opposer politiquement au fascisme à l’occasion de la campagne militaire d’Abyssinie, de l’engagement italien lors de la guerre civile espagnole, du rapprochement de Benito Mussolini avec Adolf Hitler et de la promulgation en 1938 des « lois raciales » (sa femme Laura Luzzatto etait d’origine juive) et, pendant la seconde guerre mondiale, il participa activement à la resistance au nazisme. Musicalement, il fut influence, à partir de 1930, par le dodecaphonisme de la Seconde Ecole de Vienne, en particulier par Anton Webern (1883-1945) et Alban Berg (1885-1935), qu’il traite cependant dans la tradition italienne du « bel canto », grâce à des techniques serielles qu’il developpa de façon à permette une plus grande expression du lyrisme. Profondement humaniste, Luigi Dallapiccola traita en particulier, dans ses Operas « Vol de nuit » (1938) d’après Antoine de Saint-Exupery, « Le Prisonnier » (1948) d’après Auguste de Villiers de L’Isle-Adam et « Ulysse » (1968) d’après Homère, ou dans sa Cantate « Chants des Prisons » (1941), du thème de l’Homme qui, au sein d’une societe essentiellement hostile, se cherche sans pouvoir aller au bout de sa quête. Il est mort à Florence en 1975.
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Tudor Collection

Prix : EUR 65,95

Tudor Collection Reviews and Opinions

5.0 etoiles sur 5
Splendour in music, 4 janvier 2006
Par FrKurt Messick "FrKurt Messick" (Bloomington, IN USA) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Tudor Collection (CD)
-Music-- This collection consists of four CDs, each having a key composer at the center: William Cornysh (d. 1523), John Taverner (d. 1545), Thomas Tallis (d. 1585), and William Byrd (d. 1623). For collectors of Tallis Scholars music, this will be repeat performances -- the music contained here come from prior releases, brought together as a set piece to show the relationship between these important composers. All of the composers worked for either royalty or other leading persons of the period; like much of the rest of Tudor sensibilities, there is an ornate, almost over-the-top quality to many of the compositions represented here. While much of the music is liturgical, there are a few pieces scattered about that are more folk-tune or secular in nature. The Tudor period was one of fascinating history, and music certainly kept pace. One can almost envision the rivalry of Wolsey and Henry VIII in the compositions of Taverner (who worked for Wolsey) and Cornysh (who worked for Henry VIII, and prior to that, Henry VII). The development of the music over time, from Cornysh to Taverner to Tallis to Byrd can be heard, which makes perfect sense given the historical development of the personalities involved (Byrd was a successor to Tallis, who was a successor to Cornysh, in the same position in the Chapels Royal). One of the difficulties of the increasingly florid, ornamented style of music is the lack of clarity of the language. Early polyphonic chant is fairly easy to understand; by the time of the Tudors, it is sometimes impossible to recognise the words being sung without the lyrics being provided in writing. The Reformation brought back a clarity and simplicity, which Tallis and Byrd adopted during the reign of Elizabeth to bring great effect to the combination of music and meaning. Byrd, of course, remained a Roman Catholic, and wrote his famous Masses at a time when they would not have been permitted to be performed in churches and official liturgical settings; as such, they possess a power of mystery and longing. They provide both an encapsulation and conclusion to the Tudor era of composition. All of these pieces are glorious polyphonic compositions of extraordinary power and grace. Taken as a set, they make a wonderful snapshot of Roman Catholic/proto-Anglican music during the Tudor period. All subsequent liturgical music in the English church can trace its origin to this time; either in development from or in reaction to the standards developed during this time, this is a pivotal age for such music. --The Tallis Scholars-- The Tallis Scholars are a group dedicated to the performance and preservation of the best of this type of music. A choral group of exceptional ability, I have been privileged to see them many times in public, and at almost every performance, their music is brilliant and the performance is delivered with near-flawless grace. Directed by Peter Phillips, the group consists of a small number of male and female singers who have trained themselves well to their task. This is a truly wonderful collection.
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Intégrale des quatuors ? cordes nos 1 ? 15 / Quintette pour piano & cordes op.57

Prix : EUR 110,00

Intégrale des quatuors ? cordes nos 1 ? 15 / Quintette pour piano & cordes op.57 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
L’integrale des Quatuors à cordes de Dmitri Chostakovitch, remarquablement interpretes par le Quatuor Borodine, 25 août 2011
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Integrale des quatuors à cordes nos 1 à 15 / Quintette pour piano & cordes op.57 (CD)
Les cent dernières annees ont vu la composition de plusieurs cycles de Quatuors à cordes de très grande qualite, depuis celui d’Arnold Schönberg (1874-1951) à celui de Nicola Bacri (ne en 1961), en passant par celui d’Ottorino Respighi (1879-1936), de Frank Bridge (1879-1941), de Bela Bartok (1881-1945), de Karl Weigl (1881-1949), de Nikolaï Miaskovsky (1881-1950), de Gian Francesco Malipiero (1882-1973), d’Egon Wellesz (1885-1974), d’Heitor Villa-Lobos (1887-1959), d’Ernst Toch (1887-1964), de Bohuslav Martinü (1890-1959), de Darius Milhaud (1892-1974), de Walter Piston (1894-1976), de Paul Hindemith (1895-1963), d’Howard Hanson (1896-1931), de Richard Flury (1896-1967), d’Alexandre Tansman (1897-1986), de Marcel Mihalovici (1898-1985), de Silvestre Revueltas (1899-1940), de Randall Thompson (1899-1984), d’Ernst Krenek (1900-1991), d’Edmund Rubbra (1901-1986), de Conrad Beck (1901-1986), de Vissarion Chebaline (1902-1963), de Giacinto Scelsi (1905-1988), de Michael Tippett (1905-1998), de Benjamin Frankel (1906-1973), d’Ahmed Adnan Saygun (1907-1991), d’Elliott Carter (ne en 1908), de Vagn Holmboe (1909-1996), de William Schuman (1910-1992), d’Alan Hovhaness (1911-2000), de Donald Gillis (1912-1978), de Daniel Jones (1912-1993), de Vincent Persichetti (1915-1987), de David Diamond (1915-2005), de Mordecai Seter (1916-1994), de Milton Babbitt (ne en 1916), d’Isang Yun (1917-1995), de Richard Arnell (ne en 1917), de George Rochberg (1918-2005), de Mieczysaw Weinberg (1919-1996), de Leon Kirchner (ne en 1919), de Robert Simpson (1921-1997), d’Iain Hamilton (1922-2000), de Ned Rorem (ne en 1923), de Boris Tchaikovsky (1925-1996), d’Hans Werner Henze (ne en 1926), d’Einojuhani Rautavaara (ne en 1928), de Donald Martino (1931-2005), de Sofia Gubaidulina (nee en 1931), d’Alfred Schnittke (1934-1998), de Peter Maxwell Davies (ne en 1934), de Philip Glass (ne en 1937), de Jonathan Harvey (ne en 1939), de Boris Tishchenko (ne en 1939), de Brian Ferneyhough (ne en 1943), de Peteris Vasks (ne en 1946), de Dmitry Smirnov (ne en 1948), d’Elena Firsova (nee en 1950), de Philippe Fenelon (ne en 1952), de Wolfgang Rihm (ne en 1952), de Françoise Choveaux (nee en 1953), ou bien encore de Pascal Dusapin (ne en 1955), sans compter de nombreux chef-d’oeuvres isoles. Toutefois, seul l’ensemble des quinze Quatuors de Dmitri Chostakovitch (1906-1975) peut rivaliser avec les monuments que nous ont laisse Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven et Franz Schubert.
C’est en 1938, peu de temps après les critiques, sevères et même menaçantes, dont il avait ete l’objet dans la presse, faisant suite à une representation de son Opera « Lady Macbeth de Mzensk » au Theâtre Bolchoï pendant laquelle Staline avait ostensiblement quitte la salle au second acte, que Dmitri Chostakovitch ecrivit son premier Quatuor à cordes. Pour le compositeur, le Quatuor devint le lieu de sa sphère privee, où il conservait une totale liberte d’expression, dût-il parfois l’exercer par le biais d’un langage crypte. A ce titre, les quinze Quatuors à cordes constituent une sorte de journal intime du compositeur, ecrit tout au long de sa vie, le media privilegie de ses interrogations spirituelles.
Cette integrale des Quatuors est completee par le Quintette pour piano et quatuor à cordes Op. 57, interprete par Sviatoslav Richter, piano et le Quatuor Borodine.
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Bach/Scarlatti/Mozart/Schubert: Piano Recital

Prix : EUR 10,99

Bach/Scarlatti/Mozart/Schubert: Piano Recital Reviews and Opinions

9 internautes sur 9 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Lipatti joue Bach, Mozart, etc., 7 août 2008
Par Denis Urval (Paris, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 10 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Partita 1 / Sonata in a Minor / Two Sonatas (CD)
Il y a des artistes dont la biographie finit par envahir tout, comme le mauvais lierre. Il y aurait pourtant bien autre chose à retenir de Lipatti que la leucemie qui l’’a emporte : par exemple, il existe au moins une photographie où on peut voir ses grandes et belles mains, celles avec lesquelles il jouait avec tant d’’energie et de vitalite. Et surtout, ce disque merite d’’être apprecie pour lui-même : à la centième ecoute, la 1ère partita de Bach enregistree à Genève (le 9 juillet 1950) frappe toujours par sa grâce, son energie rythmique, la lumière qui en emane, la joie qui s’’y exprime. On pense à Spinoza :
Plus une chose a de perfection, plus elle agit et moins elle pâtit, et inversement, plus elle agit, plus elle est parfaite.
Comme son Bach, son Scarlatti et la sonate K. 310 de Mozart, font partie de l’’essentiel de ce que Lipatti nous a laisse. Ces enregistrements indemodables ne sont nullement inferieurs, en ce qui concerne Bach et Mozart, aux versions captees en concert au festival de Besançon. Ils ne nous invitent pas à pleurer sur un destin, mais à nous rejouir qu’’un tel accomplissement musical ait ete possible.
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4 internautes sur 4 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Que de beaute !!!, 29 août 2009
Par franck Eulry S. Elea "Frank Eulry" (France) - Voir tous mes commentaires(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Partita 1 / Sonata in a Minor / Two Sonatas (CD)
Des oeuvres d’une beaute rare, jouees par un pianiste divin, le pianiste de reference. Le jeu fait totalement oublier la prise de son qui commence à dater... Indispensable!
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Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen

Prix : EUR 49,99

Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen Reviews and Opinions

4 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une "Septième" fascinante et secrète : la nouvelle reference discographique, 25 avril 2007
Par Melomaniac (France) - Voir tous mes commentaires(COMMENTATEUR N° 1)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Mahler : Symphonie n° 7 - Diepenbrock : Im Grossen Schweigen (CD)
La "Septième" fut composee pendant les deux etes 1904-1905 et creee sous la baguette de Mahler lui-même à Prague, Munich, La Haye, Amsterdam, où le public l’accueillit assez froidement.
Il faut dire que cette symphonie à sortilèges reste la plus esoterique, la plus mysterieuse du corpus, se deployant dans l’ambiance crepusculaire d’etranges "Nachtmusike", encadrant un scherzo central qui rappelle les fantasmagories de R. Schumann ou d’E.T.A. Hoffmann.
Le "rondo" conclusif est un curieux melange de solennite et de trivialite, de tragique et de grotesque, dont Mahler nourrissait son langage antinomique.
Enregistre en avril 1994, le present disque est extrait de l’integrale que constitua patiemment Riccardo Chailly entre 1986 et 2004 avec l’orchestre du Concertgebouw dont il etait alors le directeur musical et avec qui il a pu mener un travail de fond sur les partitions.
Cela nous vaut des phrases les plus penses, les plus mûris qu’on ait rarement entendus, osant parfois des coquetteries stylistiques (les glissandi de violons dans le "schattenhaft...) qui rappellent la baguette de Willem Mengelberg, son illustre devancier à ce pupitre.
Le maestro italien ne force jamais le trait, ne verse jamais dans la tonitruance (les fortissimos du finale s’intègrent au discours avec une remarquable logique structurelle) mais prefère exhaler le lyrisme secret de cet opus.
La palette penombragee de l’orchestre neerlandais reste selon moi la seule à pouvoir debusquer de telles nuances chromatiques, dont Chailly use avec un raffinement extrême.
A ce niveau, il n’y a guère de concurrence discographique : voilà la nouvelle reference, et sans doute pour longtemps.
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Centenary 3 / String Quartet 2

Prix : EUR 36,95

Centenary 3 / String Quartet 2 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
D’excellentes interpretations d’oeuvres de musique de chambre d’Honegger, 22 decembre 2008
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Centenary 3 / String Quartet 2 (CD)
Parisien d’adoption, Arthur Honegger est un compositeur suisse, ne au Havre en 1892 et mort à Paris en 1955. En 1911, deux ans après s’être inscrit au Conservatoire de Zurich, Honegger le quitte pour le Conservatoire de Paris, où il est elève de Charles-Marie Widor (1844-1937) et de Vincent d’Indy (1851-1931). Compositeur desireux d’illustrer la transformation, notamment par la technique et le sport, de la societe, Honegger ecrit pour le theâtre, la radio et le cinema aussi bien que pour la salle de concert. Il est l’un des membres du « Groupe des Six », avec Louis Durey (1888-1979), Germaine Tailleferre (1892-1983), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963) et Georges Auric (1899-1983). Outre les Six, il a frequente Paul Claudel, Jean Cocteau, Max Jacob, Pierre Louÿs, Pablo Picasso, Erik Satie et Paul Valery, dont certains lui fournirent des sujets pour ses oeuvres. Il a par ailleurs ete critique musical, soutenant notamment Olivier Messiaen (1908-1992), et professeur à l’École Normale de Musique de Paris.
Connu pour son humanisme, Arthur Honegger est un compositeur qui allie la tonalite à l’atonalite, en passant par la polytonalite. Marque par une double influence, germanique de Max Reger (1873-1916) et française de Claude Debussy (1862-1918), il n’est en revanche d’aucune ecole, ayant rejete des systèmes de composition qu’il jugeait trop stricts.
Ce troisième volume d’une serie editee à l’occasion du centenaire de sa naissance comprends plusieurs de ses oeuvres majeures de musique de chambre :
- Hommage à Ravel ; Miroslav Langer, piano ;
- Sonatine pour deux violons ; Vaclav Snitil, Bohuslav Purger, violons ;
- Sonate pour violoncelle et piano ; Stanislav Apolin, violoncelle ; Josef Hala, piano ;
- Sonate pour alto et piano ; Karel Spelina, alto ; Josef Hala, piano ;
- Quatuor à cordes N° 2 ; Quatuor Martinu ;
- Concerto da Camera ; Josef Jelinek, flûte ; Jiri Kaniak, cor anglais ; Orchestre de chambre de Prague, Frantisek Vajnar.
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Vénitienne

Prix :

Vénitienne Reviews and Opinions

3 internautes sur 3 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Majestueux, 30 novembre 2002
Par "louisaserex" - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Ce Cd est majestueux. Tous ceux qui aiment Rondo, apprecieront à leur tour cette musique italienne et originale. Aucun morceau "à jeter".
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2 internautes sur 2 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Peut-être leur meilleur album..., 12 juillet 2004
Par "scaramucce" - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Quand, en 1980, G.-P. Reverberi signa son premier album pour Rondo’ Veneziano il n’imaginait sans doute pas le succès que son projet rencontrerait... Concilier le baroque venitien et le son pop/rock etait une gageure, pas forcement evidente à reussir. Si le groupe est certes moins present en France aujourd’hui il n’en continue pas moins pour autant à enchanter le public sous d’autres cieux. "Venitienne" (version française de "Papagena") est à mon avis l’un des albums les plus aboutis de Reverberi ; laissez-vous surprendre...
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4 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Un retour merveilleux!, 22 fevrier 2003
Par Matteo (Roma, Italie) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Venitienne (CD)
Après beaucoup d’annees Rondo Veneziano retourne de nouveau à la France avec cet album merveilleux. Le groupe celèbre mondial cree en 1980 par Maestro Reverberi, avec plus de 20 millions de copies vendues de leurs 24 albums, nous donne beaucoup de perles dans leur modèle bien connu, un melange entre baroque et moderne. Il y a dans le monde entier un bruit que tout le monde appelle "modèle de Rondo Veneziano": c’est un nouveau genre de musique que G. P. Reverberi a cree avec ce groupe. Leurs meilleurs albums etaient "La Serenissima" (1981), "Odissea Veneziana" (1984), "Concerto" (1988), "Stagioni di Venezia" (1992). Cet album est pour le sûr du meilleur. Écoutent "Venitienne", "Desiree", "Puerta del Sol", "Alba sul mare" et "Viale Rossini" et vous conviendra le wtih je. C’est dommage dans cette version française vous ne trouviez pas la voie "Siciliana", une merveilleux suite pour l’armonica et des cordes, incluses dans la version allemande de cet album avec le titre de "Papagena" (Venitienne est la même voie avec un nom different). Ainsi, si vous aimez RV et avez un certain regrest parce que certains des derniers albums n’etaient pas aussi grands comme dans le passe, vous ne serez pas deçus par Venitienne. Rondo Veneziano a est revenu à son meilleur niveau. Et pour le panorama general de la musique instrumentale c’est une chance.
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Haydn Quartets

Prix : EUR 63,95

Haydn Quartets Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Fermete du discours, 3 août 2011
Par Pèire Cotó (Occitània) - Voir tous mes commentaires(TOP 100 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Haydn Quartets (CD)
Les quatuors dedies à Haydn tiennent dans deux CD, grâce à un tempo qui ne traîne pas et surtout à l’absence de reprise de l’exposition, trait d’epoque, que d’ailleurs les Amadeus prolongent une bonne dizaine d’annees après. Les enregistrements datent de mai 1953, à l’exception du quatuor en mi bemol majeur K. 428 qui est de mai 1950. Cela s’entend, bien sûr, mais si la technique est d’epoque, les ingenieurs du son ont fait un excellent travail, meilleur que celui habituel de CBS dans les annees 60 : les musiciens sont enregistres à la bonne distance et de plus la mise en CD s’est faite sans trop monter le son, avec les duretes que ce procede entraîne habituellement.
Le caractère de ces interpretations est la fermete du discours et la discipline : le phrase d’un instrument est poursuivi par celui qui lui repond, sans donner l’impression, comme avec les Amadeus, que chacun tient son propre discours. Cette unite ne signifie pas qu’il y a un type d’interpretation ou d’enregistrement "symphonique", avec l’accent mis sur les unissons et la difficulte à identifier chaque partie : tout au contraire, il s’agit bien de musique de chambre, parfaitement equilibree. Les Budapest ont de plus la maîtrise de la ligne, de l’intensite (diminuendos splendidement realises) et de l’intonation; le declin n’interviendra que quelques annees plus tard. La maîtrise du rythme, de l’intensite et la stabilite caracterisent ce jeu, ce qui ne veut pas dire rigidite et n’exclut pas le rubato; simplement celui-ci est discret et bien integre.
Cette interpretation très sobre et assez reservee du point de vue des affects triomphe dans le quatuor en sol majeur K. 387, pour lequel la stabilite du tempo est essentielle, ainsi que pour celui en mi bemol majeur K. 428, dont il ne faut pas doubler le caractère liquide et fuyant par un tempo inconsistant; elle est sans inconvenients dans les autres quatuors, dont aucun n’est rate. Il est certain aussi que d’autres ensembles font percevoir plus immediatement la gaiete de la majorite de K. 458 (cf. les Amadeus) ou la profonde tristesse de celle de K. 421; ces sentiments ne sont pas absents quand on les ecoute, mais proviennent de la progressive prise en compte dans l’esprit de l’auditeur des structures musicales que les Budapest font superieurement percevoir. Mais l’interiorite de l’Adagio de K. 458 est particulièrement emouvante avec eux. Le trio du menuet de K. 421 est un peu moins radieux que chez les Italiano, ce à quoi la prise de son peut contribuer; de même, la fin de l’Andante de K. 464, avec le motif tambourinant qui l’obsède, prend un caractère encore plus magique chez les mêmes. Mais on ne trouvera jamais chez les Budapest le leger excès de sentimentalite ou de lenteur qu’on peut reprocher aux merveilleux musiciens transalpins.
Malgre la technique d’epoque, les Budapest continuent pour moi de garder la première place, ou une des premières si l’on tient compte des changements interpretatifs qui ont ete entraînes par la prise en compte de la musicologie, dans la discographie de cette serie de quatuors de Mozart; c’est le plus parfait equilibre classique, sans les defauts ou les excès qu’on peut constater chez la plupart de leurs successeurs. Je ne me suis d’ailleurs refere qu’à deux d’entre eux, parce que c’est avec eux que j’ai effectue des comparaisons pour cette recension, en plus des Kocian pour K. 387, mais je pense aussi à plusieurs autres.
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Dvorák: The String Quartets

Prix : EUR 34,99

Dvorák: The String Quartets Reviews and Opinions

32 internautes sur 32 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Cyprès, 12 avril 2004
Par Bruno Parfait "bruno parfait" - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Dvorak : Les quatuors à cordes (CD)
Il y aura bientôt trente ans que le quatuor de Prague enregistrait la première veritable integrale des quatuors de Dvorak, avec en prime les Cyprès, melodies de jeunesse renversantes de fraîcheur et de spontaneite bohemiennes, reorchestrees pour les quatre instruments, qui traduisent à merveille les tendres et melancoliques reminiscences du compositeur.Si les versions du corpus pour quatuor du grand Tchèque sont maitenant legion, on reste pantois de bonheur à l’audition du Quatuor de Prague, dont l’enregistrement n’a pas pris une ride, si ce n’est celles , volontaires, qu’y a inscrite le compositeur lui même à l’approche d’une vieillesse que n’epargnèrent point les epreuves.Les recents enregistrements des Prazak sont parmi les seuls à pouvoir se confronter à cette somme, plus tranchants peut être,en même temps plus immediatements "boises", eux aussi terriblement tchèques, avec ce leger surcroit de souci du detail sonore qui signe parfois presque negativement l’approche de certains quatuors modernes finissant par trop obliterer le flux rhapsodique de cette musique.Les Janacek, en leur temps, les Vlach ,les Talich, pour en rester aux formations tchèques, ne demeritent pas mais se cantonnent le plus souvent aux derniers quatuors( 12, 13, 14),comme on se cantonne encore trop souvent aujourd’hui aux trois dernières symphonies. Les Stamitz, seuls veritables concurrents pour une integrale, sont trop loin du compte: ils ne trouvent pas l’equilibre miraculeux du Quatuor de Prague dans les quatuors de jeunesse, gorges d’une sève melodique que Dvorak saura un peu plus tard encore mieux maîtriser.Conscient de ce trop plein, ils edulcorent par souci analytique une musique qui s’adresse en tout premier lieu au coeur de celui qui l’ecoute...A ce "petit jeu", le Quatuor de Prague demeure à jamais irremplaçable.
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Messe ? trois voix

Prix :

Disparu en 1925, le compositeur et chef d'orchestre André Caplet laissa derrière lui de superbes orchestrations qu'il réalisa notamment pour des oeuvres de Debussy. En tant que compositeur, il s'adressa surtout à la voix et écrivit également de la musique de chambre, utilisant avec bonheur une harmonie épurée et dense qui employait parfois des motifs du chant grégorien. L'élégance et la clarté des accompagnements servent parfaitement les deux voix féminines qui recréent un univers secret et poétique, dans la digne tradition de l'école française de la fin du XIXe siècle. --Pierre Graveleau
Disparu en 1925, le compositeur et chef d'orchestre André Caplet laissa derrière lui de superbes orchestrations qu'il réalisa notamment pour des oeuvres de Debussy. En tant que compositeur, il s'adressa surtout à la voix et écrivit également de la musique de chambre, utilisant avec bonheur une harmonie épurée et dense qui employait parfois des motifs du chant grégorien. L'élégance et la clarté des accompagnements servent parfaitement les deux voix féminines qui recréent un univers secret et poétique, dans la digne tradition de l'école française de la fin du XIXe siècle. --Pierre Graveleau

Messe ? trois voix Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
En particulier pour la "Messe à trois voix", mais aussi pour les "Cinq Ballades" d’Andre Caplet, très bien interpretees, 31 mars 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Messe à trois voix (CD)
Andre Caplet est ne en 1878 au Havre. Il entra au Conservatoire de Paris en 1896, et obtint en 1901 un Grand Prix de Rome pour sa Cantate "Myrrha" (Prix de Rome Cantatas : Caplet, Debussy, Ravel ; Marco Polo, 2006 - ASIN : B000004649). Il rencontra Claude Debussy en 1907, qui l’influença un temps, mais dont il se detachera par la suite ; il orchestrera neanmoins tardivement "Le jet d’eau", " Pagodes" ou "Clair de lune". Il quitta Rome et la Villa Medicis pour gagner l’Allemagne où il apprit la direction d’orchestre, et il creera en particulier le "Martyre de Saint-Sebastien" de Debussy en 1911. Ses oeuvres instrumentales ont mis en musique "Salammbô" de Flaubert (1902), et en 1908 le "Conte fantastique" d’après le "Masque de la mort rouge" d’Edgar Allan Poe (Laurence Cabel, Harpe ; Ensemble Musique Oblique ; Musique D’abord, 2006 - ASIN : B000E3J3QA). Vers la fin de sa vie, il composa essentiellement des oeuvres vocales et religieuses, telles que la "Messe des petits de Saint-Eustache-la-Forêt" (1919), "Pie Jesu" (1919), en 1920 la "Messe à trois voix" enregistree ici, ou en 1924 "Le Miroir de Jesus" (Naxos, 2004 - ASIN : B000027LCC). Caplet fut sevèrement gaze pendant la première guerre mondiale, et il succombera en 1925 des suites de cette intoxication.
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Richard Strauss : Une symphonie alpestre - Les 4 derniers Lieder

Prix : EUR 104,57

Richard Strauss : Une symphonie alpestre - Les 4 derniers Lieder Reviews and Opinions

7 internautes sur 8 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Somptueux objet, 31 decembre 2008
Par Etienne Leclercq "Musicfan56" (Lorient) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
(VRAI NOM)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Richard Strauss : Une symphonie alpestre - Les 4 derniers Lieder (CD)
Voici un disque ideal pour decouvrir Richard Strauss. L’orchestre est suprêmement bien sonnant, ni trop lourd, ni trop leger, ses couleurs sont sombres et d’une plenitude sonore conferant aux pages les plus meditatives un calme interieur parfaitement en situation dans les quatre derniers lieder, magnifies par la voix chaude, sensuelle et profonde d’Anji Harteros, à laquelle il manque toutefois la dimension plus sepulcrale de Schwarzkopf (avec Szell ; plus lumineuse avec Ackermann mais pas moins poignante). Les magnifiques couleurs de la Staatskapelle Dresden se fondent divinement à sa voix et le tout forme une version coherente où ne manque qu’une intensite superieure de l’expression, l’acceptation de la mort, l’apaisement et la chaleur etant là.
La Symphonie alpestre apparaît dans un premier temps plus objective, Luisi ne souhaitant probablement ceder aux excès expressionnistes de Karajan, par exemple (pour ne citer que lui). Mais, plusieurs ecoutes supplementaires revèlent un imaginaire assez captivant. L’aspect le plus metaphysique de l’oeuvre n’est peut-être pas ce qui frappe le plus ici, mais il n’est pas absent pour autant. Le chef italien rend au "Sommet" sa grandeur abstraite, à "Vision" ses paradoxes tel un mirage renvoyant (de mon point de vue) aux illusions que la vie nous apporte debouchant sur une "Elegie" introspective et pudique avant de basculer dans les problèmes ("Tempête et Orage") jusqu’à la solution puis la mort ("Coucher de Soleil", "Epilogue" et "Nuit", qui achève l’oeuvre comme elle a debute, telle la vie qui s’achève alors que d’autres recommençent). Un soupçon d’abandon n’eut pas nui à l’ensemble mais encore une fois, voilà une version coherente et parfaitement assumee tant par le chef que par l’orchestre. En somme, un somptueux objet !
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Symphony 3

Prix : EUR 36,00

Symphony 3 Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
La version discographique de reference de la Symphonie N°3 d’Alfred Schnittke, 18 juillet 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
Ce commentaire fait reference à cette edition : Symphony 3 (CD)
Alfred Garrievitch Schnittke, dont le père, issu d’une famille juive originaire de Russie, etait ne à Francfort et s’etait installe en Union Sovietique en 1926, et dont la mère etait une allemande de la Volga, est ne en 1934 à Engels, Region de Saratov, URSS (Russie). Alfred Schnittke debuta ses etudes musicales en 1946 à Vienne où son père, journaliste et interprète, etait alors en poste mais, en 1948, sa famille s’installa à Moscou, où Schnittke acheva ses etudes de composition au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou en 1961, et où il eut en particulier comme professeurs Nikolaï Rakov (1908-1990) et Yevgeny Golubev (1910-1988). Initialement, la musique de Schnittke fut influencee par celle de Dmitri Shostakovich (1906-1975), puis, après la visite de Luigi Nono (1924-1990) en URSS, par le serialisme, comme le montre clairement sa « Music for Piano and Chamber Orchestra » (1964). Toutefois, insatisfait par ce qu’il considèrera avoir ete un « rite de puberte », Schnittke creera très rapidement ce qui a ete defini comme le « polystylisme », juxtaposition de differents styles de musique, comme en temoigne sa seconde Sonate pour violon et piano (1968), et qui deviendra de plus en plus epure au fil des ans. Il eut des relations très etroites avec des interprètes comme Gidon Kremer, Yury Bashmet, Natalia Gutman, Gennady Rozhdestvensky et Mstislav Rostropovich, ainsi qu’avec le compositeur Arvo Pärt (ne en 1935). De 1962 à 1972, Schnittke enseigna au conservatoire de Moscou. Converti au christianisme, Schnittke se tourna alors vers une recherche spirituelle, et sera à plusieurs reprises, pendant « L’Ere Brejnevienne », la cible de la bureaucratie sovietique. En 1985, il fut victime d’une première attaque cerebrale le laissant dans le coma, phenomène qui devint recurrent. En 1990, il quitta la Russie pour s’etablir à Hambourg. Sa sante demeura fragile ; il subit plusieurs nouvelles attaques, avant de deceder en 1998.
Alfred Schnittke est l’un des compositeurs les plus importants de la seconde moitie du vingtième siècle. Parmi ses oeuvres majeures, on peut noter trois Sonates et cinq « Aphorismes » pour piano, trois Sonates pour violon et piano, deux Sonates pour violoncelle et piano, un Prelude « in Memoriam Dmitri Shostakovich » pour deux violons, « Stille Musik » pour violon et violoncelle, un Trio à cordes, egalement arrange en Trio avec piano, quatre Quatuors à cordes, un Canon « in Memoriam Igor Stravinsky » pour Quatuor à cordes, un Quintette avec piano, une « Serenade » pour violon, clarinette, contrebasse, piano et percussion, un Septuor, trois Concertos pour piano, quatre Concertos pour violon, trois Concertos pour alto, deux Concertos pour violoncelle, un Double Concerto pour hautbois, harpe et cordes, un Triple Concerto pour violon, alto et violoncelle, six Concertos Grosso pour diverses combinaisons instrumentales, dix Symphonies, numerotees de 0 à 9, la dernière etant inachevee, trois musiques de ballet, « Labyrinths » sur un argument de Vladimir Vasilyev, « Sketches » sur des thèmes de Nikolai Gogol, et « Peer Gynt » base sur le drame d’Henrik Ibsen, trois Operas, « Life with an Idiot », « Historia von D. Johann Fausten » et « Gesualdo », ainsi que de nombreuses musiques de film.
La Symphonie N° 3, l’une des symphonies les plus imposantes de Schnittke, fut ecrite en 1981, à l’occasion du bicentenaire de la creation de l’orchestre du « Gewandthaus » de Leipzig, DDR (Allemagne) et de l’inauguration de la nouvelle salle de concert realisee pour celebrer cet evènement. La creation de l’oeuvre eut lieu le 5 novembre 1981, sous la direction de Kurt Masur. La première en Union Sovietique se deroula à l’automne 1982, et fut donnee par l’Orchestre Symphonique du Ministère de la Culture de l’URSS, avec à sa tête Gennadi Rozhdestvensky ; le present enregistrement a ete realise par ces mêmes interprètes.
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Guillaume Lekeu : Oeuvres de musique de chambre

Prix : EUR 32,50

Guillaume Lekeu : Oeuvres de musique de chambre Reviews and Opinions

13 internautes sur 13 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Poignante tristesse, 15 août 2006
Par Julien Mosa "MosaJulien" (Saint-Jean Pied de Port, 64.) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
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Ce commentaire fait reference à cette edition : Guillaume Lekeu : Oeuvres de musique de chambre (CD)
Guillaume Lekeu vit le jour en Belgique à Heusy, près de Verviers, en 1870. Il avait neuf ans lorsque ces parents quittèrent le "plat pays" pour s’installer à Poitiers. Incite par son professeur de physique qui etait melomane, il embrassa peu après sa très brève carrière de compositeur ; ses seuls "guides" furent son instinct et son goût. Lorsque le jeune adolescent decouvrit la musique de Ludwig van Beethoven, ce fut la première revelation ; il decouvrit "qu’il y avait autre chose à tirer du quatuor qu’une oeuvre parfaite et regulière à la Mozart ou à la Haydn". Guillaume Lekeu trouve en Ludwig van Beethoven son ideal musical. Ses premières compositions, dont un "Molto Adagio" pour quatuor à cordes, un "Tempo di Mazurka" pour piano ou un "Adagio meditatif" pour clarinette basse et orchestre, temoignent dejà d’une bonne qualite de composition, malgre un manque d’application dans l’harmonie. Guillaume Lekeu prit quelques leçons privees (il ne voulut jamais inserer un quelconque Conservatoire), et après avoir ete envoûte à Bayreuth par une representation de l’opera "Tristan und Isolde" de Richard Wagner, il fit appel au plus grand des organistes belges du dix-neuvième siècle, Cesar Franck, pour etudier avec lui. Malheureusement, son maître revere deceda un an plus tard. Guillaume Lekeu avait fait des progrès considerables. En attestent son trio pour piano et cordes ou ses deux "etudes symphoniques" pour orchestre, pièces datees de 1890. Il travaillera alors avec Vincent d’Indy, figure illustre de la fameuse "Schola Cantorum". En 1891, il se presenta (en Belgique) au fameux "Grand Prix de Rome", où il obtiendra la second Prix, avec sa "scène lyrique" "Andromède". Durant les trois dernières annees de sa vie, il composa beaucoup de musique de chambre (son quatuor pour piano et cordes demeure inacheve ; son second maître Vincent d’Indy tenta de le terminer, mais faute de temps, l’oeuvre subsiste en deux mouvements). Sa sonate pour violon et piano lui assure à elle seule une immortalite totale, bien que ses quarante-cinq compositions totales ne soient pas à denigrer, loin de là. Il fut emporte en 1894, au lendemain de ses vingt-quatre ans, des suites d’une fièvre thyphoidale. Le destin emporta celui qui allait certainement devenir l’un des plus grnads compositeurs français du debut du vingtième siècle, à egalite avec Claude Debussy et Maurice Ravel.
Le "Molto adagio" pour quatuor, datant de 1887, est en realite un "commentaire sur les paroles du Christ dans le jardin de Gethsemani", et est sous-titre "Mon âme est triste jusqu’à la mort". Une mesure à cinq temps et une pulsation instable confèrent à cette oeuvre tragique un caractère somme toute etrange, mais qui revèle une forte generosite d’inspiration. L’"adagio" pour quatuor d’orchestre, date de 1891, est une "elegie" pour un grand ensemble instrumental, pouvant contenir jusqu’à sept parties de violon, cinq d’alto et autant de violoncelle. Très poignante elle aussi, cette oeuvre porte en epigraphe une phrase du poète Georges Vanor, "Les fleurs pâles du souvenir...". Guillaume Lekeu fait preuve dans cette pièce d’une maîtrise formelle plus importante que dans l’oeuvre precedente. Le "larghetto" pour violoncelle et ensemble instrumental, acheve le 3 fevrier 1892, est un veritable chant d’amour, dont la fluidite harmonique apporte une grande vague de tendresse. Les trois "poèmes" pour soprano et piano, eux aussi acheves en 1892, sont integralement de la main de Guillaume Lekeu : il en ecrivit à la fois les paroles et la musique. Le premier, "Sur une tombe", a un caractère funèbre. Le second, "Ronde", comporte abondance d’accents joyeux. Le troisième, "Nocturne", est un hymne à la nature. Le quatuor pour piano et cordes, inacheve donc, fut amorce en 1893. Guillaume Lekeu nous laisse un mouvement acheve, et un second en grande partie acheve (Vincent d’Indy complètera les dernières mesures, sans aller au-delà). Le premier des deux, "Dans un emportement douloureux. Très anime", voit mille sentiments opposes se heurter (cris de souffrance et longs appels de bonheur, cris d’amour et cris de desespoir, l’eternelle douleur qui ecrase la joie de vivre...). L’extrême compacite de l’etoffe musicale apporte l’illusion d’une melodie continue. Le second mouvement "Lent et passione" reprend nombres de thèmes du premier mouvement. Guillaume Lekeu a voulu donner à ces deux mouvements une continuite musicale à sa pensee. L’on ne peut que deplorer l’achèvement partiel de ce chef-d’oeuvre, qui, s’il avait eut la chance d’être termine, serait assurement le meilleur quatuor pour piano et cordes de l’epoque romantique, depassant celui de Robert Schumann, de Johannes Brahms et ceux de Gabriel Faure.
Le "Molto adagio" pour quatuor à cordes, interprete par quatre dames de l’ensemble "Musique Oblique" (dont Elisabeth Glab au violon et Isabelle Veyrier au violoncelle), beneficie à juste titre d’une interpretation très "feminine" : tout en emotion, tout en tendresse, mais avec caractère et affirmation. Les appels de violoncelle sont à vous arracher le coeur. L’"adagio" pour quatuor d’orchestre est ici donne dans la transcription de Gerard Iglesia pou piano et trio à cordes. Alice Ader se joint ici à ses amies. L’interpretation, bien que très correcte et très en accord est moins prenante, car cette transcription denature la puissance de l’oeuvre. Le "Larghetto" pour violoncelle et ensemble instrumental trouve en Isabelle Veyrier une musicienne très sensible et très impliquee, bien soutenue, notamment dans le "tutti" instrumental par ses compères. Les trois "poèmes" pour soprano et piano trouvent le ton juste avec Rachel Yakar accompagnee par Alice Ader. Chaque "poème" est interprete avec le caractère qui convient. Mais madame Yakar peine un plus dans les graves, curieusement, que dans les aigus, où sa voix est bien situee. Le quatuor pour piano et cordes, contrairement au "Molto adagio" beneficie lui d’une interpretation très "masculine", très "virile" : les quatres amies jettent toutes leurs forces pour exprimer les douleurs ressenties par le compositeur. C’est très emouvant et troublant. Alice Ader tire (à moindre echelle) son epingle du jeu par la puissance harmonique de son instrument.
Il s’agit là d’un très beau compact-disc de musique de chambre.
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Nuances / Mysterium : LActe préalable

Prix : EUR 181,72

Nuances / Mysterium : LActe préalable Reviews and Opinions

6 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Un rêve presque realise, 12 avril 2006
Par Un client
Ce commentaire fait reference à cette edition : Nuances / Mysterium : L’Acte prealable (CD)
Malgre tous les doutes que pouvait soulever l’entreprise de Nemtin (tenter de reconstituer une oeuvre qui n’avait subsiste qu’à l’etat d’ebauche sur le papier, voire dans l’esprit de Scriabine) et les reserves qu’elle suscite inevitablement, on ne peut que se feliciter que ce doux rêveur perseverant ait mene à bien une telle tâche : respectueuse de la lettre du travail mystique de la dernière periode de Scriabine, cette musique polyrythmique et aux limites de l’atonalite possède une force d’evocation peu commune et un grand pouvoir de seduction. Envoûtante et grandiose, elle ne revèle pleinement ses charmes qu’au bout de plusieurs ecoutes perseverantes et attentives (c’est du reste caracteristique de toute l’oeuvre de Scriabine).L’interpretation est de haute tenue et, surtout, la prise de son n’est pas en reste (Decca oblige) : toutes les conditions sont reunies pour qu’on puisse se consoler que Scriabine n’ait pas lui-même acheve son chef-d’oeuvre. J’attends un DVD avec la partie "Luce" (Nemtin a egalement compose la partition pour clavier lumineux de "l’Acte Prealable")...
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6 internautes sur 6 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une belle reconstitution, 23 octobre 2002
Par "xav356" - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Nuances / Mysterium : L’Acte prealable (CD)
Cet enregistrement est remarquable, il nous propose l’Acte prealable de Scriabine reconstitue par le compositeur russe Nemtin, qui a evidemment beaucoup mis de lui-même dans la partition, mais qui est reste fidèle à l’esprit de la musique de Scriabine. L’interpretation est exceptionnelle!
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LOiseau a Vu Tout Cela

Prix : EUR 45,98

LOiseau a Vu Tout Cela Reviews and Opinions

1 internaute sur 1 a trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Des oeuvres d’Henri Sauguet à decouvrir, très bien interpretees, 11 avril 2009
Par JRL (France) - Voir tous mes commentaires(TOP 500 COMMENTATEURS)
  
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Henri Sauguet est ne à Bordeaux en 1901. La Grande Guerre l’empêche d’entrer au Conservatoire. Pourtant, avec Jean-Marcel Lizotte (ne en 1891) et le poète Louis Emie (1900-1967), il fonde à Bordeaux le « Groupe des Trois », dont le premier concert remonte à 1920. Il se fixa à Paris en 1921, où il frequentera le « Groupe des Six », groupe de compositeurs parraine par Erik Satie (1866-1925) et qui comprend egalement Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892-1974), Germaine Tailleferre (1892-1983), Francis Poulenc (1899-1963) et Georges Auric (1899-1983). Il avait eu Joseph Canteloube (1879-1957) pour professeur, mais Charles Koechlin (1867-1950) sera son maître. En compagnie d’Henri Cliquet-Pleyel (1994-1963), Roger Desormière (1898-1963) et de Maxime Jacob (1906-1977), il fonda « L’Ecole d’Arcueil », en hommage à Erik Satie, et se fit rapidement un nom dans la capitale. En 1927, la consecration arriva quand Serge de Diaghilev lui commanda un ballet, « La Chatte », cree à Monte-Carlo avec Serge Lifar. Dès lors, la renommee lui valut des commandes repetees, mais c’est en 1945 que viendra la gloire internationale avec un autre ballet, « Les Forains » de Boris Kochno, cree par Roland Petit, qui fit aussitôt le tour du monde. Il est mort à Paris en 1989.
Parmi ses oeuvres majeures, on peut noter quatre Symphonies, dont la « symphonie expiatoire » ecrite à la memoire des victimes de la Seconde Guerre mondiale, deux Concertos pour piano, deux Concertos pour violon, une « Melodie concertante pour violoncelle et orchestre », deux Quatuor à cordes (disponibles en partition), ou bien encore la suite symphonique « Tableaux de Paris », ainsi que la musique de vingt-sept ballets. Il travailla en outre activement et de manière constante, entre 1933 et 1965, pour le cinema et la television.
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Macbeth

Prix : EUR 137,45

Macbeth Reviews and Opinions

3 internautes sur 4 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Mödl ou rien, 14 juillet 2005
Par Herve Lasserre (La Garenne-Colombes France) - Voir tous mes commentaires
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Verdi dans les annees 50, et en allemand, voilà qui en ferait fuir plus d’un.La distribution pourra pourtant intriguer et arrêter dans leur fuite les amateurs de theâtre chante, ceux, rares, qui concevoivent que la philologie vocale n’est pas l’ultime apanage du bon goût.Passons tout de suite sur les comprimari et seconds rôles, pour aborder immediatement la personnalite autour de qui tout pivote : Martha Mödl.On pourrait craindre d’y entendre une Brünnhilde egaree dans la lande ecossaise ; mais point. Une Kundry troquant sa redemption pour une couronne non plus.Alors Une incarnation sans les raffinements vocaux d’une Gencer, sans la technique ni la ductilite d’une Ludwig ou d’une Callas, à peine un legato, et pourtant...La Lady Macbeth de Mödl n’est en rien un modèle de chant ; elle prend cependant chair comme peu de fois une scène de theâtre a pu accueillir ce personnge. Mödl et ses geniales intuitions theâtrales, ses feulements, ses ululements nocturnes (Macbeth est un opera de la nuit), ses sons pleins et rauques à la fois.Mödl hypnotise son Macbeth et son public, son auditeur ausi ; elle domine sans peine l’ensemble de la production au point de se demander si l’opera n’aurait pas dû s’intituler, au moins ce soir là, "Lady Macbeth".Alors oui, il convient de dire que cette enregistrement souffre de ce desequilibre, qu’il ne donnera guère satisfaction aux amateurs de "bel canto", mais qu’en tous les cas, s’il ne devait plaire qu’aux adorateurs de Dame Mödl, au moins ceux-ci seraient chavires par tant de couleurs, de spontaneite, de modernite enfin (c’est avant la prise de rôle par Callas).Un bravo immense à l’artiste, sans oublier les autres, qui l’entourent sans demeriter.Et viva Mödl !
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Beethoven - les 9 symphonies

Prix : EUR 55,59

Après une intégrale flamboyante des Concertos pour piano de Beethoven avec Alfred Brendel, Simon Rattle nous livre aujourd'hui, avec le même orchestre, le Philharmonique de Vienne, l'intégrale des Symphonies. Elle fut réalisée en public, en 2002. Rattle a tenté un alliage étonnant entre une formation réputée pour la souplesse de son phrasé, la plastique reconnaissable des voix solistes et une approche baroque novatrice. La synthèse est réussie dans les premières symphonies car la tension rythmique, la trépidation de la direction fourmille de détails. Mais, plus on avance dans l'écoute de l'intégrale, plus les problèmes apparaissent, notamment concernant l'équilibre. Rattle a voulu une intégrale homogène alors que les diverses écritures de Beethoven modifient de façon conséquente la structure de l'orchestre. La définition de la prise de son qui aurait pu être optimisée ne facilite pas l'appréciation. Bref, une intégrale en demi-teinte mais que les discophiles auront à cœur de posséder. --Étienne Bertoli
Après une intégrale flamboyante des Concertos pour piano de Beethoven avec Alfred Brendel, Simon Rattle nous livre aujourd'hui, avec le même orchestre, le Philharmonique de Vienne, l'intégrale des Symphonies. Elle fut réalisée en public, en 2002. Rattle a tenté un alliage étonnant entre une formation réputée pour la souplesse de son phrasé, la plastique reconnaissable des voix solistes et une approche baroque novatrice. La synthèse est réussie dans les premières symphonies car la tension rythmique, la trépidation de la direction fourmille de détails. Mais, plus on avance dans l'écoute de l'intégrale, plus les problèmes apparaissent, notamment concernant l'équilibre. Rattle a voulu une intégrale homogène alors que les diverses écritures de Beethoven modifient de façon conséquente la structure de l'orchestre. La définition de la prise de son qui aurait pu être optimisée ne facilite pas l'appréciation. Bref, une intégrale en demi-teinte mais que les discophiles auront à cœur de posséder. --Étienne Bertoli

Beethoven - les 9 symphonies Reviews and Opinions

19 internautes sur 21 ont trouve ce commentaire utile :
4.0 etoiles sur 5
Inventivite et coherence, 20 mai 2003
Par jacqueslefataliste (Albi, France) - Voir tous mes commentaires(TOP 50 COMMENTATEURS)
  
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Depuis la parution de la nouvelle edition urtext des symphonies de Beethoven, due à Johnathan Del Mar, plusieurs integrales ont vu le jour. Après le Philharmonique de Berlin dirige par Abbado, il etait inevitable que le Philharmonique de Vienne ne tente lui aussi l’experience. C’est ce qu’il a fait, sous la direction de Sir Simon Rattle, lors de concerts captes par EMI et presentes dans ce coffret.Le Philharmonique de Vienne n’a pas le " fondu " du Philharmonique de Berlin mais il a une sonorite d’un " grain ", d’une subtilite, inouïs et qui permet de distinguer chaque partie de l’orchestre : cordes, vents, cuivres, etc. Il y a ainsi bien des subtilites de cette partition que l’on entend ici comme pour la première fois (je pense par exemple au tremolo de la flûte au debut de l’episode tragique de la Marche funèbre de la 3e symphonie).La direction de Rattle n’a pas la luminosite, la joie, l’hedonisme, de celle d’Abbado avec Berlin, mais elle offre plusieurs merveilles : d’abord Rattle fait admirablement saillir la dimension " conflictuelle " de ces symphonies qui sont souvent le lieu d’un intense " combat ". Ensuite, Rattle s’est efforce de preserver la singularite de chaque symphonie et les transformations de l’ecriture de Beethoven : les premières symphonies sont jouees de façon relativement rapides et energiques (la 5e a par exemple une rage extraordinaire), mais la 6e est plus detendue, d’un lyrisme vraiment splendide et la 7e et la 9e beneficient aussi d’un jeu plus ample, plus large. Le finale de la 9e est très bien chante, avec une mention speciale pour Thomas Hampson et son magnifique " O freunde ".Bref, voilà une integrale passionnante, inventive, coherente, pleine de beaute et d’energie et qui s’appuie sur une edition desormais indispensable. Elle n’est bien sûr pas la seule valable (j’aime notamment beaucoup les enregistrements d’Abbado avec Berlin pour leur caractère plus pacifie, plus epris de joie, plus rayonnant, plus apollinien) mais elle defend ses options avec beaucoup de force et de conviction.
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2 internautes sur 3 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
Une reussite, un peu d’histoire et du grand art, 27 septembre 2007
Par JDM (France) - Voir tous mes commentaires
Ce commentaire fait reference à cette edition : Beethoven - les 9 symphonies (CD)
La critique d’Étienne Bertoli, amazon.fr, est interessante mais un peu sevère dans sa conclusion.
Je me refère, au plus près, au commentaire de "jacqueslefataliste". Le mien ne sera donc pas essentiel, même si on l’espère utile.
Simon Rattle fonde son interpretation (2002) sur la lecture de documents recemment retrouves, dechiffres et edites de 1996 à 2000 (Bärenreiter Urtext Edition, Jonathan Del Mar). Une interpretation remarquable par le suivi du discours (plutôt qu’une planeite calculee, homogène, sans histoire), par la richesse des nuances dans les volumes, les tempi, les ruptures (on croirait parfois des syncopes), par la qualite des musiciens (precision de la prise de son en concert) et des chanteurs (mention particulière pour Thomas Hampson, cela a ete dit, mais tout aussi bien pour l’ensemble choral).
Une interpretation baroque des symphonies, avec un Philharmonique : une gageure non, simplement une reussite, un peu d’histoire et du grand art.
Commençons par l’Allegretto de la 7, inouï...
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2 internautes sur 12 ont trouve ce commentaire utile :
5.0 etoiles sur 5
DU NOUVEAU , ENFIN, 7 mai 2003
Par hua (paris) - Voir tous mes commentaires
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Après quelques integrales recentes qui n’ont pas marque, Simon Rattle nous offre sa vision de ce grand cycle . La philarmonbie de Vienne est digne de tous les eloges et le chef allège ces symphonies en lmes eclairant sous un nouveau jour (influence des baroqueux). Et enfin une version "live" avec tous les risques induits .LA VERSION MODERNE
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